cine-asia

Fim do Cineasia

2008-07-07T23:34:00.002+01:00

Pois é meus amigos, tudo tem o seu tempo de duração e o do cineasia expirou. Foram quase 3 anos a escrever sobre cinema asiático... Conheci muita malta da blogosfera, aprendi muito sobre esta nobre corrente de cinema asiático e foi um enorme prazer colaborar com outros grandes bloggers e ter grandes escribas a colaborar no meu blogue.

Espero ter dado a minha cota de ajuda a referenciar alguns filmes duma cinematografia com pouca projecção mas que vai ganhando os seus adepotos.

No entanto, a minha vida profissional não permite continuar a actualizar o blogue como devia e já nem mesmo a preciosa ajuda da Helena consegue levar o projecto para a frente.

Quanto a mim continuarei fiel à minha paixão sobre cinema e sempre atento ao que se passa neste mundo da 7ª arte...

1 abraço a todos os cinéfilos e... bons filmes! (de preferência asiáticos)

Sérgio Lopes

Estreia da Semana – Triangle

2008-05-23T22:18:00.001+01:00

Após uma passagem no último Fantasporto, onde foi distinguido como melhor filme da secção “Orient Express”, eis que chega às salas (ou deverei dizer à sala?) Triangle (Triângulo no título português), assinado por três dos mais célebres realizadores de Hong Kong: Tsui Hark, Ringo Lam e Johnnie To (este último recentemente homenageado no Indie Lisboa). A sinopse dá conta de uma busca por um tesouro levada a cabo por três amigos, busca essa que os conduz a situações extremas motivadas pela ganância. O resultado está à vista, pelo menos na sala do cinema Alvaláxia em Lisboa que, tanto quanto sei, é o único sítio onde o filme estreou ontem em Portugal...

Helena F.

The Forbidden Kingdom

2008-05-18T18:36:00.004+01:00

EUA, 2008, 113 min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Jason (Michael Angarano) é um jovem americano fascinado com artes marciais chinesas, que devora em filmes e videojogos. No meio de um ataque à loja de penhores de um ancião chinês que costuma frequentar, Jason acorda misteriosamente na China antiga. Uma vez lá, trava conhecimento com um conjunto de peculiares personagens, nomeadamente um viajante embriagado (Jackie Chan), um monge solitário (Jet Li) e uma jovem em busca de vingança pela morte dos pais (Liu Yifei). Todos o vão ajudar a cumprir a missão que o levou até à China de outros tempos: devolver um misterioso bastão ao seu legítimo dono, o Rei Macaco, aprisionado sob a forma de pedra pelo maléfico senhor da guerra do reino de Jade (Collin Chou).

Crítica: Realizado por Rob Minkoff, The Forbidden Kingdom é uma obra que procura misturar ingredientes de filmes de aventuras americanos com películas de artes marciais chinesas. A ideia não será inédita. Cruzamentos entre a tradição de entretenimento dos EUA e do Oriente já se encontram em obras tão diversas como Karate Kid ou Kill Bill, para não falar dos clássicos com Bruce Lee que o protagonista do filme tanto admira como Enter the Dragon.
Minkoff, que assinou sucessos assinaláveis de cinema juvenil como The Lion King ou The Haunted Mansion, mantém algum do espírito infanto-juvenil que presidiu a essas obras. Assim, The Forbidden Kingdom não andará longe de uma deliciosa matiné de adolescência, um divertimento tão inocente como fácil de desfrutar. Não terá os almejos artísticos dos poéticos wuxias de Zhang Yimou ou de Crouching Tiger, Hidden Dragon de Ang Lee. Mas também não é particularmente violento, sendo as cenas de luta muito bem coreografadas e montadas.
No entanto, mencione-se a intenção de homenagear alguns filmes de artes marciais, mais antigos ou recentes, como Come Drink With Me (1966) ou Bride With White Hair (1993). Essa intenção começa logo, aliás, no bem conseguido genérico, feito a partir de cartazes de filmes clássicos do género. Refira-se, contudo, que apesar das referências cinéfilas, a história do filme é levemente inspirada num clássico... da literatura, Journey Into the West (bem como em várias lendas chinesas).

O grande trunfo de Forbidden Kingdom é reunir pela primeira vez no ecrã duas das maiores estrelas orientais que têm trabalhado no Ocidente: Jackie Chan e Jet Li. Chan mais divertido e Li mais contemplativo no papel do monge (conquanto excelente nas breves cenas como Rei Macaco), formam uma dupla curiosa que resulta bem em alguns momentos como a luta no templo quando se encontram pela primeira vez ou a disputa no treino de Jason. Este é dado à vida pelo jovem americano Michael Angarano (Almost Famous, Dear Wendy), que fisicamente lembra por vezes Shia LaBeouf (estrela de Transformers e do mais recente Indiana Jones), presença competente mas sem nada de particularmente distintivo em relação a tantos outros jovens actores da actualidade.

Filmado na China, em paisagens magníficas como o deserto de Gobi ou a floresta de bambu de Anji (onde também foi rodado Crouching Tiger, Hidden Dragon), The Forbidden Kingdom é, como já referi, um trabalho de entretenimento despretensioso, que cumpre, com algumas previsíveis previsibilidades (passe a repetição) os requisitos básicos de um razoável filme de aventuras. De reforçar, no entanto, a ideia de união e da possibilidade de uma genuína amizade entre Ocidente e Oriente, firmada nos laços que se estabelecem entre o protagonista e os seus companheiros orientais, em tudo contrastantes com os ocidentais que o perseguem e agridem.
The Forbidden Kingdom é uma proposta agradável para se ver em família ou amigos e embora algumas cenas resultem particularmente bem no ecrã grande, certamente não calharão mal daqui a uns tempos numa tarde em frente à televisão.

Helena F.

Estreia da Semana – The Forbidden Kingdom

2008-05-15T22:25:00.001+01:00

Oficialmente The Forbidden Kingdom (em português O Reino Proibido), que hoje chega às salas portuguesas, é um filme americano mas praticamente toda a trama se passa na China, foi filmado na China e tem como protagonistas dois dos mais célebres actores chineses, estrelas tanto no Oriente como no Ocidente: Jackie Chan e Jet Li.
Homenageando outros filmes, mais (ou menos) clássicos, de artes marciais, The Forbidden Kingdom é uma obra de aventuras bastante satisfatória, ideal para uma ida ao cinema com amigos e uma proposta recomendável para uma matiné em família. O realizador Rob Minkoff conta no curriculum com sucessos como O Rei Leão, Stuart Little e The Haunted Mansion e essa habilidade em fazer filmes à partida mais vocacionados para um público infanto-juvenil não foi propriamente desbaratada.
E mais não digo, por agora. Mas contem com uma crítica aqui no Cine-Asia muito brevemente.

Helena F.

Indie Lisboa premeia filmes asiáticos

2008-05-04T11:11:00.006+01:00

Wonderful Town

Os vencedores da edição de 2008 do festival Indie Lisboa foram anunciados ontem e entre os grandes prémios contam-se dois filmes asiáticos. O tailandês Wonderful Town de Aditya Assarat, história de amor num cenário pós-tsunami, venceu o Grande Prémio de Longa-Metragem “Cidade de Lisboa”. O chinês Night Train de Diao Yi Nan, retrato de solidão e expiação de uma guarda prisional nos cinzentos espaços de Xi'an, obteve a menção honrosa na mesma categoria.
Os filmes vencedores serão hoje exibidos novamente. Para mais informações e lista completa dos premiados consultem o site oficial.

Night Train

Helena F.

Festival Indie Lisboa

2008-04-23T12:02:00.009+01:00

De 24 de Abril a 4 de Maio, Lisboa recebe a quarta edição do Festival Indie Lisboa. Deixo aqui a programação de longas-metragens asiáticas que serão exibidas, salientando as muitas de Johnnie To, um dos “heróis independentes” deste ano.
Além das longas, há algumas curtas-metragens vindas da Ásia, mas remeto para a programação completa no site do festival, onde também se podem obter informações sobre as salas, os preços e as localizações dos cinemas.
Refira-se ainda que a sessão de abertura está a cargo de um filme realizado por um asiático, Wong Kar-Wai: My Blueberry Nights, filmado pelo chinês nos Estados Unidos.

Programação de Cinema Asiático:

Quinta, dia 24

Cinema Londres
21:45 – The Mission, de Johnnie To (Hong Kong)
00h – Running Out of Time, de Johnnie To (Hong Kong)

Sexta, dia 25

Cinema Londres
23:30 – Wu Yen, de Johnnie To e Wai Ka-Fai (Hong Kong)
00h – The Heroic Trio, de Johnnie To (Hong Kong)

Cinema São Jorge
16h – Useless, de Jia Zhang-Ke (China)
19h – A Hero Never Dies, de Johnnie To (Hong Kong)

Sábado, dia 26

Fórum Lisboa
16h – The Mission, de Johnnie To (Hong Kong)

Cinema Londres
23h30 – Help!!!, de Johnnie To e Wai Ka-Fai (Hong Kong)
00h – Running on Karma, de Johnnie To (Hong Kong)

Cinema São Jorge
16h – PTU, de Johnnie To (Hong Kong)

Domingo, dia 27

Cinema Londres
15h – Throw Down, de Johnnie To (Hong Kong)

Cinema São Jorge
18:45 – Wonderful Town, de Aditya Assarat (Tailândia)
19h – Running Out of Time, de Johnnie To (Hong Kong)
21:45 – Xia Jin Rentre à la Maison, de Damien Ounoury (França – sobre Jia Zhang-Ke)

Segunda, dia 28

Cinema Londres
15h – The Heroic Trio, de Johnnie To (Hong Kong)

Terça, dia 29

Cinema Londres
21:45 – Night Train, de Diao Yinan (China)

Teatro Maria Matos
19:15 – Loving You, de Johnnie To (Hong Kong)

Cinema São Jorge
18:45 – Sparrow, de Johnnie To (Hong Kong)
19h – Mad Detective, de Johnnie To e Wai Ka-Fai (Hong Kong)
21:45 – Sparrow, de Johnnie To (Hong Kong)

Quarta, dia 30

Cinema Londres
15h45 – Help!!!, de Johnnie To e Wai Ka-Fai (Hong Kong)
18:30 – The Rebirth, de Masahiro Kobayashi (Japão)
21:15 – Sad Vacation, de Aoyama Shinji (Japão)

Cinema São Jorge
16h – Xia Jin Rentre à la Maison, de Damien Ounoury (França – sobre Jia Zhang-Ke)
16:15 – Wonderful Town, de Aditya Assarat (Tailândia)
23:30 – The Juche Idea, de Jim Finn (sobre a Coreia do Norte)

Sexta, dia 2

Cinema Londres
15:45 – The Rebirth, de Masahiro Kobayashi (Japão)
18:30 – Night Train, de Diao Yinan (China)

Teatro Maria Matos
23:45 – Useless, de Jia Zhang-Ke (China)

Sábado, dia 3

Cinema Londres
18:30 – A Hero Never Dies, de Johnnie To (Hong Kong)
21:15 – Wu Yen, de Johnnie To e Wai Ka-Fai (Hong Kong)
00h – Mad Detective, de Johnnie To e Wai Ka-Fai (Hong Kong)

Cinema São Jorge
18:45 – PTU, de Johnnie To (Hong Kong)

Domingo, dia 4

Cinema Londres
15:45 – Throw Down, de Johnnie To (Hong Kong)
21:15 – Running on Karma, de Johnnie To (Hong Kong)

Teatro Maria Matos
19:15 – Loving You, de Johnnie To (Hong Kong)

Cinema São Jorge
21:15 – The Juche Idea, de Jim Finn (sobre a Coreia do Norte)

Helena F.

Days of Being Wild (A Fei zheng chuan)

2008-04-05T17:42:00.002+01:00

Hong Kong, 1991, 91 min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Yuddy (Leslie Cheung) é um homem diletante que seduz mulheres mas mantém uma relação conturbada com a mãe adoptiva (Rebecca Pan), a quem pressiona para saber a identidade e o paradeiro da mãe verdadeiro. Uma das mulheres com quem ele se relaciona é Li zhen (Maggie Cheung), que termina a relação e fica destroçada quando ele não a aceita de volta. O guarda da zona, Tide (Andy Lau), torna-se seu confidente e desenvolve silenciosamente uma particular afeição por ela. Entretanto Yuddy enceta uma relação com Mimi (Carina Lau), mulher extrovertida a quem também acaba por deixar. Para Yuddy a única mulher que interessava conhecer era a mãe incógnita.

Crítica: Days of Being Wild é o segundo filme realizado por Wong Kar-Wai mas o seu estilo já se encontra aqui bem definido. A nível de enredo encontramos as histórias cruzadas e os conflitos interiores das personagens, algumas bastante complexas, como o protagonista. Este rejeita as mulheres com quem se relaciona (e mesmo a madrasta, com quem mantém laços de natureza ambígua) e apenas se mostra empenhado em descobrir a mãe. Na verdade, a busca era por si próprio, pela sua verdadeira identidade.

As palavras aqui têm uma importância secundária. Importa construir uma atmosfera, sugerir com uma subtileza admirável estados de alma. Veja-se a cena em que Maggie Cheung fala com Tide de fora do portão, como se estivesse em frente das grades de uma prisão, retrato visual de uma prisão... emocional. Importa também evocar o tempo (outro aspecto característico de filmes de Wong) e os seus efeitos, seja pela referência constante ao minuto que selou eternamente a ligação de Yuddy e Li zhen, seja pelos vários planos de relógios.

Dos espaços notamos a predilecção pelos quartos e cafés, bem como pelas ruas, com uma mostra do que é a arte de filmar pessoas a andar. Por todo o filme observamos um cuidado particular com a fotografia – este filme assinala o início da colaboração com Christopher Doyle – onde a criação de um ambiente sedutor e melancólico é muito feita pelas cores e pelas sombras. Há um sentido nostálgico notório, que encontraremos na sua forma perfeita em In The Mood For Love. Também aqui se evoca um tempo passado e também aqui as figuras das personagens principais pautam pela elegância, embora acompanhadas de uma certa aura decadentista. Há que referir ainda a bela banda sonora, sendo a música claramente uma área em que os filmes de Wong Kar-Wai também se destacam.

Este filme reúne vários nomes sonantes do cinema e/ou da música chinesa. Em grande destaque temos Leslie Cheung, que tem uma prestação assinalável como Yuddy, construindo uma personagem fria e narcisista mas, ao mesmo tempo, apenas perdida. Alguns anos depois ele teria o papel de uma vida em Farewell My Concubine, de Chen Kaige (aos 46 anos pôs termo à vida, deixando a memória de uma carreira de retumbante sucesso na música e no cinema chinês). Refiram-se ainda a contenção de Andy Lau, a exuberância de Carina Lau e a presença da veterana da canção Rebecca Pan. Mas a composição mais tocante acaba por ser a de Maggie Cheung como a frágil Li zhen.

Days of Being Wild é pois um brilhante exemplo da mestria de Wong Kar-Wai, e em como ela já era evidente nos primeiros trabalhos. A poucas semanas de o reencontrarmos em My Blueberry Nights, que abrirá o festival Indie Lisboa, é sempre bom voltar à sua obra extraordinária.

Helena F.

Primeiro filme Timorense

2008-03-21T12:54:00.003Z

Graças a João Paulo Esperança, um ex-professor que trabalhou em Timor, ficamos a saber do lançamento do primeiríssimo filme Timorense, intitulado "Sirana". O filme lida com várias temáticas, como os relacionamentos, violência doméstica, adolescência, conflitos de classes sociais em Díli, o impacto da presença internacional no território ou a linguagem.

Realizado por Ivete de Oliveira, o filme assenta na improvisação, suportado no estilo documentário. Uma crítica mais aprofundada a Sirana, bem como o respectivo trailer podem ser visualizados AQUI.

Sérgio Lopes

Unknown Pleasures (Ren xiao yao)

2008-03-17T19:36:00.011Z

China/Coreia do Sul/Japão/França, 2002, 113 min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Xiao Ji (Wu Qiong) e Bin Bin (Zhao Wei Wei) são dois amigos a viver numa pequena cidade chinesa. Qiao Qiao (Zhao Tao) está apaixonado por uma dançarina e Bin Bin namora com uma estudante que pretende ir para a universidade. Os seus dias passam-se sem grandes novidades e sem grandes perspectivas de futuro.

Crítica: Unknown Pleasures é a terceira longa-metragem de Jia Zhang-ke, rodada em 19 dias com um orçamento baixo e sem autorização estatal, ou seja, trata-se ainda de uma obra “underground” que não pôde ser exibida legalmente nas salas de cinema chinesas.
O título do filme é retirado de uma canção que se ouve em vários momentos deste e faz referência aos “prazeres desconhecidos” do Ocidente, nomeadamente a dita cultura pop, que invade a vida dos jovens do filme sem que isso lhes traga quaisquer benefícios ou particular satisfação. Xiao Ji veste-se como qualquer jovem ocidental, tem um corte de cabelo estiloso mas passa os seus dias vagueando pelas ruas, muitas vezes em busca de Qiao Qiao, uma rapariga que conhece a dançar num concurso publicitário e que é sevaramente controlada por um homem mais velho. Bin Bin é um jovem igualmente desocupado, cuja namorada aspira a entrar na universidade para estudar Comércio Internacional. As perspectivas de futuro da namorada, em tudo contrastantes com as suas, e as críticas da mãe, que o considera um inútil, levam-no a tentar alistar-se no exército mas é impossibilitado de o fazer quando descobre ter hepatite.

Unknown Pleasure foi, tal como os dois primeiros filmes de Jia, filmado em Shanxi, na cidade de onde o realizador era originário. O filme é um retrato notável da juventude chinesa das cidades pequenas, com muito do Ocidente ao seu dispor mas sem utilidade a dar a tudo o que tem acesso. Apáticos, vivem os dias sem grande ânimo ou convicções. Esse desinteresse está bem patente nas várias cenas em que são mostradas notícias televisivas reportando problemas com os EUA ou com com as Falun Gong, às quais as personagens não prestam grande atenção.
A incomunicabilidade está bem patente na cena em que Bin Bin e a namorada estão sentados lado a lado no sofá sem sequer olharem um para o outro e sem conseguirem manter um diálogo substancial. A forma que encontram para “falar” é cantar em uníssono uma canção em karaoke na televisão.

Apesar de representar um olhar crítico sobre a ocidentalização da China, em particular junto dos jovens, o filme adopta um aspecto particular de várias obras que se tornaram marcos da cultura ocidental contemporânea: a citação. Por exemplo, na cena da discoteca em que Xiao Ji dança com Qiao Qiao eles não fazem mais que recriar a já mítica dança de John Travolta e Uma Thurman em Pulp Fiction. Ou já perto do final, quando Bin Bin vende dvd piratas, um dos títulos que tenta aliciar um conhecido a comprar é nada mais nada menos que Platform, o filme anterior de Jia.

O filme desenrola-se com a languidez da realidade. O autor dá-nos pequenos frescos da vida daqueles jovens, em casa, na rua, em clubes, as conversas e os silêncios de todos os dias. O espaço envolvente é, nalgumas cenas, esmagador, como quando nos mostra Qiao Qiao andando com o casaco sobre a cabeça, afastando-se dos blocos de prédios semi-acabados. A paisagem urbana é desoladora e enorme, impossível de escapar. Há muitos planos longos mas há sequências em que a câmara se move habilmente, em certos casos construindo ideias de repetição (as bofetadas na discoteca, as tentativas de Qiao Qiao sair do autocarro, o arrancar da moto), como repetitiva é a existência das personagens.

Unknown Pleasures é um filme extraordinário, que requererá um revisionamento para uma melhor apreensão de vários aspectos, tamanha é a riqueza do que mostra: poderíamos mesmo dizer que é a riqueza da realidade de um país em mutação. E um olhar nada doce, conquanto nunca cruel, dos jovens perdidos da China.

Helena F.

Three Times (Zui hao de shi guang)

2008-02-21T12:35:00.001Z

Taiwan, 2005, 139 min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Três homens, três mulheres, três tempos, três histórias de amor. 1966, um homem a cumprir serviço militar e uma empregada de salões de bilhar. 1911, um intelectual casado e uma prostituta. 2005, um jovem trabalhador e uma problemática jovem epiléptica. Três aproximações por entre a adversidade, três hipóteses de amor.

Crítica: Hou Hsiao-hsien é um dos realizadores asiáticos mais importantes da actualidade, presença habitual em vários festivais. Three Times chega a Portugal com algum atraso em relação ao resto do mundo mas é um daqueles casos em que mais vale tarde que nunca.
O filme divide-se em três partes: «Tempo para Amar», «Tempo para a Liberdade», «Tempo para a Juventude». As três histórias são mostradas sequencialmente, sem serem alternadas. Não são, contudo, mostradas por ordem cronológica.
A primeira, passada em 1966, é sem dúvida a mais perfeita das três. Segmento absolutamente belíssimo, sobre o encontro de Chen e May, o seu desencontro e o seu reencontro por algumas horas. Hou Hsiao-hsien filma a aproximação dos dois de forma calma e delicada, mas absolutamente sedutora. Os gestos magistralmente orquestrados junto à mesa de bilhar, a jornada de busca – já ela a confirmação do amor (sabemos que Chen escrevera à predecessora de May, mas não a procurara quando ela partiu). Tudo a culminar no extraordinário grande-plano das mãos a darem-se, seguido de um plano mais afastado, com Chen a abrir o chapéu-de-chuva sobre os dois, peculiar imagem de protecção. Este é também o episódio onde a música assume um papel mais determinante (embora no segundo isso também suceda, este é o melhor conseguido nesse aspecto), com a inserção das canções “Smoke Gets In Your Eyes” dos The Platters e “Rain and Tears” dos Aphrodithe’s Child.

O segundo segmento tem lugar em 1911 e centra-se nas visitas do senhor Chang a uma cortesã com quem passa algumas noites. Ela gostaria de um futuro mais seguro a seu lado como sua concubina, que ele não lhe pode dar por fidelidade aos seus princípios morais. Hou optou por filmar esta história como um falso filme mudo. Há intertítulos que substituem os diálogos. Todavia, há canções como se fossem em tempo real. E ao não optar por filmar este episódio a preto e branco, o autor quebrou um pouco a ideia do mudo que convoca com os intertítulos. O curioso é que, sendo o filme mudo dentro do filme, este é bem capaz de ser aquele em que o casal dirige mais palavras um ao outro. Mas na verdade, a essência do relacionamento entre o par central de cada história é silenciosa: a imensidão que comporta não encontra justo paralelo na palavra.

O terceiro episódio é o mais caótico e, no conjunto, o menos conseguido. Se o segundo episódio remetia para o filme de Hou Flowers of Shanghai, este relembra-nos os ambientes nocturnos contemporâneos de Millennium Mambo (protagonizado também por Shu Qi). De todos, este episódio parece o mais frio e o mais magoado. Como se a contemporaneidade, na sua vastidão de espaços – note-se o contraste entre a enormidade metropolitana de Taipé deste episódio o espaço fechado do bordel do anterior – se tivesse tornado demasiado exígua para o romantismo. O rosto de Shu Qi, que tanto sorrira no primeiro segmento e chorara no segundo, revela-se aqui como que apático. Como se o tempo presente impossibilitasse a exteriorização do sentimento.
Nos três episódios o par dos amantes é interpretado por Shu Qi e Chang Chen – e ambos estão magníficos. Mas é ao talento do ‘maestro’ que as vénias devem ser feitas. Hou Hsiao-hsien filma muitíssimo bem. Consegue fazer convergir todos os elementos do filme para um todo coerente sem nunca perder de vista um tom poético que nos toca profundamente. É não de todo um oco deslumbre visual. Às vezes dói de tão belo, às vezes fascina de tão melancólico. Porque o tempo muda e as possibilidades do amor mudam também.

Helena F.

Electric Shadows (Meng ying tong nian)

2008-02-19T21:33:00.002Z

China, 2004, 93min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Mao Dabing é um jovem que vive sozinho em Beijing. Trabalha como entregador de água engarrafada e passa todo o tempo livre no cinema. Um dia, quanto se deslocava de bicicleta para mais uma entrega, choca com um amontoado de tijolos e cai, sendo logo em seguida agredido na cabeça por uma rapariga enfurecida. Quando a reencontra ela na esquadra, ela não lhe dirige qualquer palavra mas faz-lhe um estranho pedido por escrito: que vá a sua casa dar de comer aos peixes. Ao entrar no apartamento da estranha agressora, Mao Dabing descobre um pequeno santuário cinéfilo. E descobre também a identidade da jovem: ela é Ling Ling, sua grande amiga de infância. Lendo os seus escritos, ele descobre o que lhe sucedeu desde que se separaram.

Crítica: Electric Shadows tem sido descrito como o Cinema Paraíso chinês. De facto, há algumas similaridades, nomeadamente na influência determinante do cinema na vida dos protagonistas. Mas não se trata de um remake ou algo do género. Electric Shadows aproximar-se-á de alguns filmes chineses, no tom nostálgico evocativo do passado. O facto de a maior parte do filme se passar numa aldeia também reforça essa aura. Há, pois, dois tempos e dois espaços no filme: um presente na cidade e um passado (anos 70), que Mao recorda ao ler o caderno de Ling Ling, passado na aldeia onde se conheceram e onde a sua amizade floresceu perante as imagens mágicas do cinema ao ar livre. Se em Cinema Paraíso se homenageavam clássicos do cinema americano e italiano, em Electric Shadows evoca-se o cinema chinês ou da aliada Albânia, como Street Angel ou Victory Over Death.

O facto de o tempo passado ser narrado em voz off por Ling Ling reforça o tom intimista do filme já que passamos a conhecer os seus pensamentos. É pela sua escrita do passado que ela ganha voz – uma voz que até então não ouvíramos no presente. E, ao lê-la, Mao Dabing empreende o seu próprio processo de recordação, fazendo alguns comentários que atestam a convocação das suas memórias. Tal leva-o, depois de terminar o relato de Ling Ling, a procurá-la e a tentar um reencontro menos acidentado que o do início do filme.
Além do papel determinante do cinema na vida de Ling Ling e Mao Dabing, a família de Ling Ling, nomeadamente a mãe, tem bastante relevo. Aliás, é a mãe de Ling Ling que primeiro emerge como a figura de “heroína” do filme, a mulher que vence as dificuldades de aceitação na aldeia inspirada pela personagem de um filme e que, depois, “salva” Mao de um pai violento, contribuindo decisivamente para o estreitar da relação entre a filha e o novo amigo. Só depois Ling Ling se assume como a figura feminina forte, tornando-se as suas angústias familiares o tema central de uma parte do grande flashback.
Faça-se uma pequena nota elogiosa para os actores Zhang Yijing e Guan Xiaotong, que dão vida a Mao e Ling Ling na infância e que são simplesmente encantadores na incorporação das suas personagens: ele irrequieto e gozão, ela determinada e, ao mesmo tempo, frágil.

Co-escrito e realizado por Xiao Jiang, que até agora apenas fez este filme, Electric Shadows é um drama particularmente bonito pelo papel que o cinema assume na sua história mas que não deixa de ser também comovente enquanto crónica familiar e de crescimento.

Helena F.

Estreia da Semana – Three Times

2008-02-14T00:29:00.002Z

Três (!) anos depois da sua estreia mundial, Three Times do realizador Hou Hsiao-Hsien, um dos expoentes do cinema de Taiwan, chega ao cinema em Portugal. Tratam-se de três histórias de amor passadas em três anos diferentes (1911, 1966 e 2005) que são dadas à vida pelo mesmo par de actores: Shu Qi e Chang Chen.
Curiosamente, a estreia de Three Times coincide com a do último filme de Hou Hsiao-Hsien, Le Voyage du Ballon Rouge, rodado em França e protagonizado por Juliette Binoche. Uma boa semana para ir ao cinema portanto.

Helena F.

Lust, Caution (Se, Jie)

2008-02-08T23:04:00.000Z

China/Taiwan/Hong Kong/EUA, 2007, 157 min.

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Sinopse: Anos 40. Numa Xangai ocupada pelos Japoneses, Wong Chia Chi, uma tímida estudante junta-se a um grupo de teatro de esquerda e acaba a protagonizar um papel inesperado: o de Mak tai tai (a senhora Mak), uma elegante e abastada mulher encarregue de seduzir o senhor Yee, um político chinês colaborador dos invasores, que o seu grupo de colegas planeia assassinar como acto patriótico.

Crítica: Vencedor do Leão de Ouro no último Festival de Veneza, Lust, Caution assinala o regresso de Ang Lee à China, transpondo a história homónima de Eileen Chang. Tal como no filme anterior de Lee, Brokeback Mountain, também aqui a adaptação vai além do material literário que adapta, na medida que em sendo este relativamente breve, o filme apresenta vários acrescentos em termos narrativos, sem contudo perder a essência do livro.

Lust, Caution pode ser visto como uma história de espionagem e de resistência mas é, acima de tudo, uma história de perda de inocência e de descoberta do desejo. Wong Chia Chi aceita desempenhar o papel de uma mulher que não é ela e, nesse jogo de falsidade acaba por se descobrir a si. Pode-se estabelecer um curioso paralelo entre Wong Chia Chi/senhora Mak e a Rachel Stein/Ellis de Vries de Zwartboek, que vimos o ano passado nos cinemas. Ambas aceitam “dormir com o inimigo”, só para descobrirem nesse envolvimento uma estranha forma de vida. Porque de certa maneira é isso que a jovem estudante descobre com o dominador Yee: uma estranha forma de entendimento, uma experiência que a faz sentir viva. A descoberta do poder do seu próprio desejo que a leva a fazer tudo por ele.

No papel de Wong Chia Chi encontramos uma estreante, Tang Wei, que agarra o papel com notável empenho, transmitindo muito bem a passagem dos tempos de caloira hesitante à segurança do seu papel de sedutora. Como Yee temos um nome consagrado que dispensa apresentações, Tony Leung Chiu Wai, que consegue um transmitir de forma perfeita a ambiguidade da sua personagem: homem violento e dominador, e contudo capaz de momentos de uma fraqueza emocional camuflada, como o dar de mãos no clube japonês.
De entre o elenco destaquem-se ainda as prestações da veterana Joan Chen como a esposa do senhor Yee e o jovem Wang Lee-Hom como o líder do grupo teatral e o mentor do plano inicial para matar Yee.
A elegância e a sobriedade das interpretações prestam, de certa maneira, homenagem a ícones da Hollywood clássica, como comprovam as cenas em que a protagonista vai ao cinema ver filmes americanos.

Ang Lee é um realizador hábil. O enquadramento de cada plano é excepcional e o excelente trabalho de montagem revela-se crucial em algumas das melhores sequências do filme (como o jogo de mahjong inicial) demonstram bem o talento de Lee. O filme é de uma subtileza sublime. Até quando é explícito, é subtil. Ang Lee sabe que um quase imperceptível mexer de dedos, que um baixar de olhos, que um olhar mais fixo podem significar um infinito que é intraduzível, excepto por imagens. E ele dá-nos esse vislumbre, que é, em suma, a base para apreender a peculiar cumplicidade que por momentos se gera entre a espia e o político.

O filme é um prodígio a nível fotográfico – o director de fotografia é Rodrigo Prieto, habitual colaborador de Alejandro González Iñárritu – e de cenários, oferecendo as cenas de exteriores uma fascinante reconstrução da Xangai da época. Também o guarda-roupa, nomeadamente os figurinos da protagonista, são belíssimos. Mas a cereja em cima do bolo é mesmo a banda sonora. Alexandre Desplat, o mesmo compositor de Birth e The Painted Veil, brinda-nos com outra partitura extraordinária, com trechos de uma aguda melancolia que mereceram figurar entre os melhores escutados no cinema este ano.

Lust, Caution é uma das estreias fortes de 2008, e arriscaria mesmo dizer que se trata do melhor filme a estrear até agora nos cinemas portugueses. Um regresso em grande de Ang Lee. Imprescindível.

Helena F.

The Road Home (Wo de fu qin mu qin)

2008-02-01T21:12:00.000Z

China, 1999, 89 min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Luo Yusheng regressa à sua aldeia-natal para ajudar a mãe a preparar o funeral do pai. Esta quer uma grande cerimónia, seguindo a tradição de trazer o corpo em cortejo da morgue da cidade até à aldeia gritando ao morto que estava a voltar a casa, para que este não se ‘esquecesse do caminho’. No entanto, na aldeia restam poucas pessoas para que tal seja exequível. Enquanto pensa numa solução, Luo Yusheng evoca o tempo em que os pais se conheceram e redescobre a importância da sua história de amor e do sentido de pertença a uma comunidade.

Crítica: O filme desdobra-se em dois tempos: um presente, filmado a preto-e-branco, onde acompanhamos o retorno do filho à aldeia, e um passado, filmado a cores, que representa a memória que o filho tem do tempo em que o pai, Luo Changyu, chegou à aldeia e a mãe, Zhao Di, se apaixonou por ele. Ambos são narrados pelo filho e ambos levam, cada um à sua maneira, ao encontro de uma solução para o funeral do pai.

A maioria do filme passa-se nesse passado evocado. Vemos o pai a chegar à aldeia ainda jovem, como professor, e a mãe, igualmente muito jovem, a deixar-se fascinar por ele. Analfabeta, ela apaixona-se pelo ‘som da sua voz a ler’ e expressa a sua afeição numa série de tentativas de aproximação que são correspondidas por breves instantes, pois vêm ser interrompidas quando Luo Changyu é levado da aldeia para ser interrogado (apesar de presentes, as referências políticas estão bastante mais esbatidas que noutros filmes do realizador). No entanto, há uma vontade individual que triunfa, neste caso a de Zhao Di, que estoicamente espera o regresso do enamorado. Frisa-se aliás a sua importância a dada altura quando nos é dito que ela fora a primeira mulher da aldeia a expressar livremente o seu amor.

Ao lembrar a história dos pais, Yusheng redescobre um sentido de pertença à sua terra, na qual se tornara um estranho. E compreende finalmente a insistência da mãe em fazer um funeral em grande, tratando de reunir todos os meios necessários para que tal se realize. No entanto, há outra faceta do pai que o filho descobre: o seu papel de professor da aldeia, cargo que exercera durante décadas. A sua morte representa, de certa maneira, a morte também da escola, que Yusheng tentará impedir.

Este filme marca o início da colaboração do realizador Zhang Yimou com a actriz Zhang Ziyi, que teve aqui a sua estreia no cinema. Durante alguns filmes (The Road Home, Hero, House of Flying Daggers), Ziyi veio substituir a musa do realizador, Gong Li (que regressou a colaborar com o autor em Curse of the Golden Flower).
Longe da monumentalidade de filmes como To Live ou, mais recentemente, Hero, embora mantendo o espantoso trabalho de fotografia, The Road Home é um trabalho bem mais intimista, seguindo com a calma de um pequeno lugarejo rural, acompanhando o passar das estações. Uma proposta bem recomendável para aqueles que apreciam esta faceta menos espectacular de Zhang Yimou ou para aqueles que, simplesmente, ainda não a descobriram.

Helena F.

Estreia da semana – Lust, Caution

2008-01-31T23:12:00.000Z

Estreia hoje em Portugal o mais recente filme de Ang Lee. Lust, Caution adapta uma história da escritora Eileen Chang ambientada na Xangai dos anos 40 durante a ocupação japonesa. Vencedor do Leão de Ouro no último Festival de Veneza (ler notícia do Cine-Ásia), Lust, Caution marca o regresso do realizador à China após Crouching Tiger, Hidden Dragon, já de 2000.
O filme encontra-se em exibição em vários cinemas de Lisboa e num cinema do Porto. O conto de Eileen Chang foi recentemente editado pela Relógio d’Água. São ambos a não perder.
Para ler uma pequena entrevista a Ang Lee publicada hoje no jornal gratuito Metro cliquem aqui.

Helena F.

The Host em Dvd

2008-01-27T14:30:00.000Z

Os habitantes de Seul observam surpreendidos em plena luz do dia um estranho objecto pendurado na ponte do rio Han... na realidade, uma monstruosa criatura mutante, que ao despertar começa a devorar todos que cruzam seu caminho. Um dono de quiosque à beira-rio contempla horrorizado como a besta captura a sua filha e a leva consigo. Enquanto o exército fracassa repetidamente nas suas tentativas de destruir o monstro, este homem simples de muita coragem e a sua família decidem empreender uma caçada por sua própria conta, na esperança da sobrevivência da miúda...

É esta a premissa do melhor Monster Movie de 2007, finalmente disponível em Dvd em Portugal. Trata-se do filme coreano The Host - A Criatura e vale bem a pena a sua visualização.

Sérgio Lopes

Zhou Yu’s Train (Zhou Yu de huo che)

2008-01-21T00:37:00.000Z

China/Hong Kong, 2002, 95 min.

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Sinopse: Zhou Yu é uma artista de porcelana chinesa que se apaixona por um poeta e todas as semanas percorre centenas de quilómetros de comboio para se encontrar com ele. Entretanto surge na vida de Zhou Yu um outro homem, um descontraído veterinário que se cruza com ela no comboio. Quando a distância do poeta se torna demasiado longa para ser percorrida, Zhou Yu vê-se confrontada com a necessidade de escolher se quer continuar à espera dele ou se precisa de mudar de rumo.

Crítica: Realizado por Sun Zhou, Zhou Yu’s Train é um drama romântico, mas de um romantismo poético, não ostensivo. Há uma certa herança de alguns filmes de Hong Kar Wai, que se nota não só no romantismo da história como na opção por algumas cenas em câmara lenta ou pela banda sonora. Os planos recorrentes de comboios em movimento acentuam uma ideia de viagem também interior, com partidas e retornos como o próprio percurso pessoal da protagonista. Em muitas cenas do filme a vastidão do espaço, seja ele rural ou urbano, parece esmagar os protagonistas e o comboio pode ser visto como o meio que lhes permite vencer esse condicionalismo, suprimindo as distâncias e possibilitando o encontro como a pessoa amada (Zhou Yu visita o poeta viajando até ele de comboio, o veterinário conhece e encontra Zhou Yu no comboio). Quando não há maneira de superar essa separação por meio do comboio, o que sucede quando o poeta vai trabalhar para o Tibete, a relação fica condenada.

Além da importância real e simbólica do comboio, há o mistério da figura de Zhou Yu. Mulher real ou musa ou apenas criação de um artista? Ou todas? As dimensões confundem-se, sendo essa confusão acentuada pela presença de outra personagem feminina que percorre o filme. Ambas são encarnadas pela fabulosa Gong Li, cuja interpretação domina todo o filme, embora seja bem secundada pelas prestações masculinas de Tony Leung Ka-Fai, que veste bastante bem a pele do poeta, e Sun Honlei, igualmente convincente como o veterinário.

Além da bonita, e algo triste, banda sonora, há ainda que referir a deslumbrante fotografia, predominando os tons vermelhos.
O filme resulta pelo seu equilíbrio, conseguindo mostrar situações e evocar estados de alma sem exageros, sempre na medida certa, fluindo com a harmonia de uma melodia. A ideia de poesia, que facilmente se associa a Zhou Yu’s Train, não vem apenas dos poemas de um dos protagonistas mas sim do filme no seu conjunto. Dele retemos um certo tom melancólico e uma aura enigmática que continua a fascinar muito depois do filme terminar. Hora de meia de uma beleza frágil e misteriosa, que se recomenda vivamente a apreciadores deste género de filmes.

Helena F.

Spring in a Small Town (Xiao cheng zhi chun)

2007-12-29T22:52:00.000Z

China, 1948, 90 min.

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Sinopse: Numa pequena localidade chinesa Yuwen vive com Liyan, o marido doente e com a irmã mais nova deste. A vida solitária de Yuwen é abalada quando Zhichen, um amigo do marido, seu antigo amante, os vem visitar. A sua chegada apresenta-lhe uma hipótese de fuga à sua vida monótona e há muito desprovida de qualquer emoção.

Crítica: Spring in a Small Town, realizado por Fei Mu, é considerado uma das maiores obras do cinema asiático de todos os tempos, havendo mesmo quem o qualifique de melhor filme chinês jamais feito. De facto, é um filme de grande beleza, com inspirados enquadramentos e planos da paisagem, que por vezes parece reflectir a solidão das personagens, nomeadamente a da protagonista, que narra o filme numa intimista voz-off. No entanto, o que mais impressiona é a forma serena e contida como é mostrado o turbilhão de sentimentos que invadem as personagens, algo que a espaços lembra as obras do japonês Yasujiro Ozu e que nos faz também pensar em obras mais recentes como In the Mood for Love.

Este filme foi feito numa altura em que proliferavam filmes politicamente empenhados. Todavia, Spring in a Small Town, embora com algumas referências à situação da época (nomeadamente à devastação provocada pela guerra com o Japão), é um drama isento de simpatias políticas, o que terá contribuído para que esta obra fosse votada a um certo esquecimento durante os anos do governo de Mao. Nos últimos anos tendo vindo a ser redescoberto e aclamado como uma obra excepcional, havendo uma edição em dvd com legendas em inglês e tendo sido feito um remake em 2002 intitulado Springtime in a Small Town.

Helena F.

Nova colaboração no cineasia

2007-12-28T23:07:00.000Z

É uma grande honra para o cineasia contar com a colaboração da grande Helena F. autora do coonceituado blogue "Play it Again", infelizmente extinto, mas para sempre nas nossas memórias como um dos melhores blogues de cinema. Pois bem, já a partir de amanhã o cineasia terá o privilégio de contar com a colaboração de tão ilustre blogger que decerto trará uma clara mais valia a este espaço dedicado ao cinema asiático. Bem vinda Helena e obrigado pelo teu contributo!

Sérgio Lopes

Alone

2007-12-01T15:27:00.000Z

Tailândia, 2007, 90Min.

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Sinopse: Pim (Masha Wattanapanich) mudou-se para a Coreia para recomeçar sua vida ao lado do marido. No entanto, a doença da mãe faz com que ela tenha de voltar à terra natal, na Tailândia. Lá, Pim passa a ser aterrorizada pelo espírito de sua irmã siamesa, já morta...

Crítica: Após o sucesso de Shutter (They are around us), a expectativa era alta em torno do filme que poderia suceder, da dupla de realizadores tailandeses Banjong Pisanthanakun / Parkpoom Wongpoom. E não podemos dizer que tenhamos ficado defraudados com Alone, embora também se trate da repetição da fórmula de sucesso granjeada com Shutter. Digamos que os realizadores tiveram mais meios para colocar em prática a sua forma própria de abordar o género horror oriental.

Nesse sentido, não há nada de novo. Apenas competência na realização e no uso das técnicas básicas de manipulação de sombras e luz (ou pouca luz) criando o ambiente necessário para provocar alguns sustos mais ou menos eficazes. A história não é propriamente nova, aliás até é recorrente, no sentido em que há algo que em vida não foi totalmente resolvido e que busca por vingança e resolução. No entanto, a premissa baseando-se nas gémeas siamesas, acaba por ser diferente e interessante q.b.

O filme oscila entre o terror psicológico e o filme de espíritos, sendo que ao espectador é transmitida sempre a dúvida se as aparições serão fruto da mente perturbada da irmã siamesa, ou se é de facto uma aparição da outra irmã falecida. Apesar de intercalado com os tradicionais sustos, lentamente a narrativa vai avançando para um twist final que embora seja possivel de prever, funciona como um punch line na medida certa (ao contrário de muitos dos filmes do género onde os twists finais estragam o filme no seu todo).

Alone pauta-se por um filme competente, sendo abrangente a um público geral que se interesse por este género. Não desilude, mas também não se pode caracterizar como uma obra prima. Suportada num argumento credível e numa realização segura, Alone é uma boa escolha para quem quer levar alguns sustos, comodamente sentado no sogfá, numa noite de Inverno. Muito melhor que alguns homónimos americanos...

Sérgio Lopes

Novo de Oxide Pang - The Detective

2007-10-16T16:14:00.000+01:00

Oxide Pang está de regresso, ao que parece com um novo sucesso de bilheteira entre mãos. Após o sucesso conseguido em parceria com o seu irmão Danny Pang em filmes como The Eye, ou Re-Cycle, entre outros, Oxide Pang acaba de lançar o thriller ‘The Detective’ que ultrapassou a marca do $1 milhão, em Hong-Kong na noite de estreia.

O filme trata de um detective de nome Tam que se depara com uma série de assassinatos misteriosos. A premissa é simples, mas embora pareça uma típica história de detectives, as reações indicam que a mescla entre suspense, algum horror e twists eficazesm farão deste "The Detective" um filme a ter em conta.

O trailer encontra-se já disponível e pode ser visualizado AQUI.

Sérgio Lopes

Página oficial de 'Triangle'

2007-10-12T16:22:00.000+01:00

Triangle, o esforço a três mãos da dream team composta pelos conceituados realizadores Johnnie To, Tsui Hark e Ringo Lam. O filme com um orçamento de 5 milhões de dólares é realizado entre os três cineastas, que têm que relizar um segmento de 30 minutos a partir do segmento anterior, de outro dos realizadores, de forma a que a história e narrativa se desenrolem naturalmente, e no final o filme seja um todo.

Tsui Hark realiza a primeira parte, Ringo Lam dá-lhe continuação e Johnnie To é responsável pelos últimos 30 mnutos de filme. Para já apenas se sabe que a premissa se baseia em três amigos que procuram um tesouro enterrado após entrarem em contacto com um misterioso homem...

Página oficial já disponível. Basta clicar na imagem.

Sérgio Lopes

Novo trailer de Sukiyaki Western Django

2007-10-10T14:47:00.000+01:00

Já se encontra disponivel o novo trailer da mais recente película do realizador japonês Takashi Miike (Audition, Gozu). O filme intitula-se “Sukiyaki Western Django” e foi rodado inteiramente em inglês. Para além do elenco asiático composto por Hideaki Ito, Masanobu Ando, Koichi Sato, Kaori Momoi, Yusuke Iseya, Renji Ishibashi e Yoshino Kimura, conta ainda com um cameo especial, nada mais nada menos de... Quentin Tarantino. A estreia prevista de “Sukiyaki Western Django” é para breve e ... promete!

Trailer

Página Oficial

Sérgio Lopes

Jackie Chan não é fã de "Rush Hour"?!

2007-10-07T16:00:00.000+01:00

Jackie Chan afirmou à imprensa recentemente não ser grande adepto dos filmes "Rush Hour" que o catapultaram para a fama, em terras americanas. Chan disse que a sua inclusão em 1998 no franchise se deveu ao facto de querer testar as suas potencialidades no mercado americano e que não tinha grandes expectativas. E mais... numa outra entrevista disse que está claramente descontente com a mais recente aventura do franchise, Rush Hour 3, na qual Chan afirma que as cenas de luta são demasiado básicas e não são do seu agrado e que mesmo passado alguns meses da estreia do filme continua a não entender o sentido dos textos cómicos:

"Quando nós terminamos de filmar, eu senti-me muito desapontado porque era um filme que eu não apreciava e não gostava das cenas de acção envolvidas. Eu senti que o estilo de acção era muito americanizado e eu não compreendia o humor americano"

Se estas declarações foram efectuadas com um jackie Chan sóbrio, é caso no mínimo, para serem consideradas estranhas e despropositadas...

Sérgio Lopes

Remake de Old Boy está parado

2007-10-01T00:49:00.000+01:00

No lançamento de seu último filme, Finishing the Game, Justin Lin voltou a dizer que o remake de Oldboy está bem atrasado, longe de ser finalizado e que ele pode acabar por saír da equipa que está por trás do projecto. “No ano passado, eu estive a protegê-lo um pouco, porque, se não for a situação certa, então provavelmente eu não sou o tipo certo para fazê-lo”, disse ao ComingSoon.net. “Se todos os elementos não estiverem correctos, então, não vale a pena. Particularmente, eu não fui capaz de encontrar a forma correcta, nem o ritmo certo, portanto, veremos. Honestamente, é provável que eu saia desse projecto.”

Vale a pena salientar que Lin está em negociações para realizar Fast and Furious 4. A realidade é que todos torcemos para que desistam do projecto do remake de Oldboy, pois seria menos um grande clássico asiático a ser estragado e desvirtuado.

Marcus Vinicius

Woman Transformation (Yokai Kidan)

2007-09-25T14:48:00.000+01:00

Japão, 2006, 85Min.

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Sinopse: 3 miudas sofrem de transformações em partes específicas de seus corpos, tornando-as aberrações: Rokuro tem um crescimento anormal do pescoço; a Kamaitaichi crescem as unhas disformemente; Noppera tem um problema de pele na cara que a torna desfigurada.

Crítica: Três curta-metragens sobre três belas miúdas que têm partes dos seus corpos transformados sem nenhuma razão específica, levando-lhes ao terror e ao desespero, transformando-as em verdadeiras aberrações ambulantes. No entanto, em nenhum ponto do filme, elas se cruzam.

Miúda 1: Rokuro é uma modelo que um dia começa a sentir dores no pescoço. Ao mesmo tempo, ela ganha uma incrível elasticidade na região. Ao fazer exames, descobre que ela tem uma estranha formação óssea na região. Segundo o médico, os seus ossos são semelhantes ao de uma cobra que podem esticar incrivelmente. Ela fica, então, internada para ver se consegue recuperar-se. No quarto, conhece uma outra menina, Noppera, que se torna na sua melhor amiga, pelo menos temporariamente.

Miúda 2: Kamaitachi distribui revistas nas ruas juntamente com duas colegas. Gasta grande parte de seu salário com caríssimas unhas postiças que faz questão de exibir. Um dia, essas unhas começam a cair. A causa é que suas unhas naturais começam a crescer a uma velocidade espantosa. E a cada corte, ganham mais fortaleza e ficam mais resistentes e afiadas fazendo com que a convivência social fique cada vez mais difícil.

Miúda 3: Noppera gaba-se de ser popular graças a sua beleza. De repente, um pequeno problema no seu olho demora a curar. E para piorar mais as coisas, esse problema começa a espalhar-se por todo seu rosto como uma verdadeira lepra cancerígena. Ela é internada, mas ao receber alta, percebe que seus problemas estão apenas a começar.

Woman Transformation, é acima de tudo um filme honesto que trabalha muito bem o lado cômico em cima do desespero das miúdas com muito humor negro e situações constrangedoras. Por esse lado cumpre o papel de ser divertido. Por outro lado, o realizador Tôru Kamei acerta em não tratar essa questão da importância e da obsessão da aparência e da beleza de uma forma de crítica social, embora ela esteja presente sim, mas de uma forma tão sutil que não atrapalha em nada seu objectivo de ser uma obra de simples entretenimento.

Se não é um filme que ficará para a história, tem tudo para agradar os admiradores de filmes B e serve ao menos para passar bons momentos, num filme de terror invulgar.

Ric Bakemon

Nova curta de Wong Kar Wai online

2007-09-23T14:28:00.000+01:00

Já se encontra online a curta metragem de Wong Kar Wai, criada especialmente para a Phillips, como apresentação da sua nova televisão de alta definição, Aurea. A curta intitula-se There's Only One Sun, e pode ser visualizada clicando na imagem abaixo.

Sérgio Lopes

Party 7

2007-09-16T14:27:00.000+01:00

Japão, 2000, 107Min.

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Sinopse: Sete personagens, apresentados no início do filme, são colocados todos no mesmo quarto de hotel: Um ladrão que roubou uma mala carregada de dinheiro à máfia, a sua ex-namorada, o seu obsessivo namorado, o capanga da máfia responsável pela colecta da mala, outro capanga para assassiná-lo, o voyeur Capitão Banana e o seu aprendiz. Quem ficará com o dinheiro?

Crítica: Considerada como a versão asiática do Four Rooms (4 Quartos), vale a pena nos debruçarmos sobre a história de Party 7: Sunichiro Miki (Masatoshi Nagase) é um gangster que resolve enganar o seu chefe e fugir com uma larga quantidade de dinheiro. O seu primeiro esconderijo é o Hotel New Mexico num lugar remoto do Japão. Mas o que poderia ser o início de alguns momentos de paz e de descanso, transforma-se num desfile de personagens bizarros que faz da sua passagem pelo hotel um pesadelo interminável e absurdamente delirante.

Para começar, ele é o único hóspede do hotel, o que faz dele uma vítima em potencial do voyeurismo dos donos do Hotel. Atrás de um quadro do quarto esconde-se uma sala onde o Capitão Banana (Yoshio Harada) e Okita Souji (Tananobu Asano) resolvem os seus problemas freudianos espiando os seus hóspedes e discutindo temas sobre o assunto. Para piorar as coisas e sem desconfiar de nada, Miki descobre que o seu esconderijo não é tão seguro assim.

Primeiro é a sua ex-namorada interesseira (Akemi Kobayashi) que resolve aparecer para pedir dinheiro, depois surge um nerd (Keisuke Horibe), actual noivo dela e que vem atrás da noiva. Para piorar a situação, o chefe do grupo de Miki manda o braço direito da organização Sonoda (Keisuke Horibe) atrás dele. A reunião desses personagens inusitados transforma o quarto num falatório "diz-não diz" com um desfile de aparências onde vale tudo, menos a verdade.

No fim, a verdade é uma só: todos não passam de uns miseráveis perdedores, onde aquele momento apenas amplifica tudo isso. Para piorar as coisas, o sinistro e impagável assassino Wakagashi (Tatsuya Gashuin) é enviado pelos mafiosos para acabar com a festa. Mas o que acaba com a festa é a própria personalidade deles ao viverem da aparência. Um a um, todos são desmascarados (os dois voyeurs também) e a certeza de uma coisa: a mentira tem perna curta.

Em PARTY 7, o realizador Katsuhito Ishii, mantém o mesmo ritmo alucinante com o visual delirante dos seus personagens de sua obra anterior SHARK SKIN MAN AND PEACH HIP GIRL (1988). Tudo feito com muito estilo com influências claras do mangá e do anime. Vale a pena deixar registado a impecável animação do início do filme onde são apresentados os sete personagens principais. Ishii novamente tem o poder de transformar os seus personagens nos seres mais absurdos e inimagináveis já vistos, e apanha boleia no estilo de Quentin Tarantino em incluir falas banais sem conexão nenhuma no filme, como por exemplo a conversa entre os dois recepcionistas do hotel sobre um lugar onde chove... merda!

Todos os actores estão muito bem nos seus papéis, mas novamente o destaque fica para Tatsuya Gashuin, dessa vez interpretando o assassino profissional Wakagashi. Uma mistura de lutador de kendô com cabelo bombril com golpes a la Kamen Rider. Absurdamente estiloso e a certeza que esses personagens não poderiam ter saído de uma mente em sã conciência. Por tudo isso, PARTY 7 apresenta-se como um filme bastante original e altamente recomendável para quem procura algo com um toque diferente. Diversão garantida.

Ric Bakemon

Lust Caution, vence Leão de Ouro em Veneza

2007-09-10T00:18:00.000+01:00

O novíssimo filme do oscarizado Ang Lee (Brokeback Mountain) intitulado "Lust Caution" foi o grande vencedor do festival de Veneza, arrecadando o leão de ouro, para melhor filme em competição . É a segunda vez que Lee sai vencedor de Veneza, pois há dois anos venceu o mesmo galardão com Brokeback Mountain.

"Lust, Caution", trata-se de um thriller de espionagem, que decorre em Shanghai, no período da segunda guerra mundial. Do elenco fazem parte Tony Leung ("Hero," "In the Mood for Love') que interpreta uma forte figura política dos anos 40 de Shanghai e a estreante Tang Wei, como uma jovem mulher envolvida num perigoso jogo de intriga e poder.

Mais uma vez, um filme asiático é o grande destaque de um festival europeu o que prova a força emrgente da cinematografia oriental. O teaser trailer pode ser visualiado AQUI.

Sérgio Lopes

O.S.T. - Nova Rubrica Cine-Ásia

2007-09-08T14:59:00.000+01:00

O cineasia inaugura hoje uma nova rubrica que pretende disponibilizar algumas bandas sonoras de filmes asiáticos para vossa apreciação. Nem só de argumento, actores, ou realização se faz um filme, mas também de uma boa banda sonora, que por vezes é tão ou mais importante. Recordo-me por exemplo dos filmes do mestre Wong Kar-Wai, onde a música tem um papel preponderante.

A estreia desta rubrica dá-se com a banda sonora do filme Raise The Red Lantern do chinês Zhang Yimou, de 1991, a história de um mestre e das suas quatro esposas, na década de 20, banido da China, mas nomeado para o óscar de melhor película estrangeira. O download da respectiva banda sonora cedida gentilmente pelo colaborador habitual Marcus Freitas, pode ser efectuado AQUI.

Sérgio Lopes

Big Bang Love: Juvenile A (46-okunen no koi)

2007-09-03T11:56:00.000+01:00

Japão, 2006, 85Min.

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Sinopse: Dois jovens são presos no mesmo dia, cumprindo penas por crimes de homicídio não relacionados. Yun (Matsuda), tímido e bem parecido, é alvo previsível de desejos e abusos por parte de outros prisioneiros, mas Shiro (Ando), frio e violento, sem pestanejar antes de enfrentar, a soco e pontapé, meia dúzia de oponentes, decide protegê-lo. Um dia, sem que nada o pudesse fazer prever, os guardas encontram Yun com as mãos em redor do pescoço de Shiro, já inerte. Como que a prever a incredulidade de todos, enquanto é levado pelos guardas, Yun assegura que foi ele quem matou Shiro. Dois detectives investigam o caso...

Crítica: Um filme de Takashi Miike é sempre um filme altamente antecipado, pelo culto que o enfant terrible do cinema Japonês gerou com películas emblemáticas caracterizadas pelo uso extremo de violência e do gore e pelo carácter surreal, tais como Ichi The Killer, Audition, ou Gozu, entre tantos outros, já que este prolífero realizador lança vários filmes por ano (!) execedendo-se a maior parte das vezes. Big Bang Love: juvenile A, não é excepção. Embora não seja um típico produto Miike, faltando-lhe os elementos mais característicos da sua filmografia é um filme de autor na linha de David Lynch, ou Lars Von Trier.

A acção decorre num estabelecimento prisional futurista (ou será uma prisão na mente dos protagonistas), na qual é investigado o assassinato de um dos prisioneiros, Shiro - um sujeito extremamente violento-, cuja principal suspeita recai sobre o tímido e introvertido Yun, apanhado em flagrante com as mãos sobre o pescoço de Shiro, na altura da sua morte. Mas será que o que as testemunhas viram, foi o que relmente aconteceu? A investigação, levada a cabo pela dupla de detectives, é apenas um pretexto para um estudo de personalidade de dois homens com perfis opostos, com a curiosidade de terem sido detidos no mesmo dia, culpados de crimes em nada ligados...

A narrativa decorre de forma simples mas invulgar com as perguntas dos detectives chapadas no écrân e as respostas a serem obtidas por meio de flashbacks que vão transmitindo o crescimento do relacionamento entre os dois protagonistas no complexo prisional. Embora a nota dominante seja o subjectivo aleado a algum surrealismo, baseado em simbolismos, o filme apresenta um caracter homoerótico que tenta explicar o sucedido, ou seja o assassinato. Cabe ao espectador tirar as suas ilações, pelo que o filme requer uma visualização atenta (até mesmo uma segunda visualização), dado que o ritmo narrativo é lento, não existindo a espectacularidade e montagem frenética por vezes habitual nas suas obras.

Big Bang Love: Juvenile A, aproxima-se mais a nível formal de Gozu, embora comparativamente seja um filme muito mais introspectivo, um verdadeiro filme de autor: Planos longos nos cenários amplos e futuristas da prisão, a quase ausência de música, alusão a vários simbolismos, na tentativa não de achar um culpado, mas sim a culpa no estado emotivo dos personagens. Personagens esses, diga-se muito fortes dado os magníficos desempenhos de Ryuhei Matsuda (cada vez mais associado ao frágil e tímido objecto sexual masculino) e Ando Masanobu, poderoso e extremamente carismático como Shiro.

Big Bang Love: Juvenile A, é pois imperdível. Mais uma vez Takashi Miike volta a impressionar com um trabalho arrojado e experimental, mas que necessita de muita atenção e introspecção, durante os seus curtos 90 minutos de duração.

Sérgio Lopes

Devilman (Debiruman)

2007-08-26T14:34:00.000+01:00

Japão, 2004, 112Min.

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Sinopse: Ccom deslumbrantes anjos e aterrorizantes demónios, vivendo num mundo apocalíptico, o filme narra a história de dois amigos, na eterna luta no bem contra o mal.

Crítica: Devilman é uma adaptação da obra de Go Nagai (Kekko Kamen, Maboroshi Panty), que na década de setenta habitou a televisão japonesa com uma popular versão em anime - hoje um clássico. Trinta anos depois, finalmente temos uma versão em live-action trazida pelo realizador Niroyuki Nasu (BEBOP HIGHSCHOLL), talvez mais em computação gráfica, do que exactamente live-action. Com quilos e quilos de bytes, ele finalmente conseguiu recriar, não só o ambiente infernal, como também os incríveis pesonagens criados por Nagai: anjos deslumbrantes e demônios sedentos por dominação, para além de paisagens apocalípticas e avassaladoras.

Akira (Hisato Isaki) e Ryo (Yusuke Izaki) são dois adolescentes inseparáveis desde a infância. Mas uma coisa o faz diferentes entre eles. Apesar de ser órfão e morar com uma família adotiva, Akira cresce como um miúdo normal, enquanto Ryo manteve a sua paixão por monstros e demônios, além de ter atitudes poucos comuns a miúdos de sua idade, mantendo-se isolado, tranformando-o numa pessoa temida por seus colegas de escola.

O pai de Ryo é um cientista que descobre um portal ligado ao inferno. Um dia, os dois vão conhecer o laboratório dele e se deparam com o portal aberto. Akira, então, é possuído por espíritos do inferno que vêm à Terra para a dominação dos humanos. Mas Akira tem um coração puro e não se transforma por completo num demônio. Com um coração humano e o corpo de demônio, ele se transforma em Devilman. Enquanto isso, Ryo revela sua verdadeira identidade e se transforma no verdadeiro demônio. Outros espíritos também saem em busca de corpos que, capitaneados por Ryo, vão aos poucos transformando os humanos em demônios que vão espalhando o terror por todos os cantos da Terra. Akira, aos poucos, vai dominando suas forças e inicia um feroz combate com essas forças do mal. Ryo tenta ainda convencer Akira a se juntar a ele na conquista dos humanos...

A impressão final que fica é que o filme traz um enorme vazio e um certo desapontamento por se tratar de uma produção muito aguardada. Todo o esforço das toneladas de efeitos especiais em nada adiantam para evitar o marasmo do filme. Apesar do belíssimo visual criado pelos efeitos especiais e das batalhas entre anjos e demônios, jogam desfavoravelmente um argumento fraco e banal com actores pouco convincentes. A batalha entre o bem e o mal nunca foi tão cliché. É uma pena, pois os personagens criados por Go Nagai não são de deitar fora. Um filme com um belo visual mas apenas e só isso...

Ric Bakemon

Ichi The Killer (Koroshiya 1)

2007-08-21T17:45:00.000+01:00

Japão, Coreia do Sul e Hong Kong, 2002, 128Min.

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Sinopse: Um chefe da máfia japonesa, conhecido como Anjo, desaparece com 3 milhões de yenes. Kakihara, líder do seu gangue e extremamente leal á Anjo, vai atrás dele, mas cria mau estar com as demais facções da Yakuza e dá início a uma sangrenta guerra em Tóquio...

Crítica: Há um facto concreto: os filmes de Takashi Miike não são para qualquer um, principalmente para os que têm estômago fraco. Já dirigia filmes desde 1990, mas tornou-se conhecido no final da década de 90 com ‘Audition’, que passou por diversos festivais em todo mundo. A partir de então firmou o seu estilo e as suas principais características: geralmente obras sobre a yakuza, extremistas, violentas e, de certa forma, com doses de humor. Lançou grandes filmes como ‘Visitor Q’, ‘Dead or Alive’, ‘Imprint’ (da série Masters of Horror), entre outros.

Baseado no mangá de Hideo Yamamoto, tudo começa com o desaparecimento de Anjo, um dos chefes da Yakuza. Junto com ele desaparecem três milhões de yenes (cerca de 50 mil dólares) e surge a suspeita de ele ter roubado o dinheiro para fugir com uma prostituta. O mais fiel dos seus capangas, o cruel e masoquista Kakihara (o inspirado Tadanobu Asano), recusa-se a aceitar a suspeita e acredita que ele tenha sido sequestrado ou assassinado por rivais. Já de começo (e é somente o começo...) ele aplica uma monstruosa tortura num suspeito do tal sequestro, que por ventura é um líder de outro gangue. Ao presenciar o ocorrido, Jiji, ex-policia envolvido com a Yakuza, resolve contratar Ichi, um exímio e problemático assassino, para dar fim aos planos de Kakihara.

Após alguns minutos podemos ver as principais características das obras de Miike: primeiro um homem a espancar uma mulher e logo depois a cena da tortura, um sujeito pendurado por ganchos recebe uma panela de óleo quente nas costas (!), sem contar os que já morreram entretanto. E foram 15 minutos apenas! Ultraviolence é a primeira palavra que surge na mente. O frenesim inicial vai tomando forma aos poucos, dando espaço para as sequências sanguinárias e sádicas, para os litros e litros de sangue que jorram na tela enquanto corpos e membros voam por todos os lados, espancamentos, torturas, prostitutas e masoquistas. Um ambiente próximo do surreal.

Ao ler isso pode parecer que é um filme B, mas a habilidade do realizador em executar as cenas (quanto mais hardcore mais perto é o close, como na cena onde Kakihara corta a própria língua), conduzir os actores (você ficará algum tempo a pensar em Kakihara e Ichi), de criar uma atmosfera violenta, insana e ao mesmo tempo cômica, torna tudo mais interessante. Junte tudo isso a uma fotografia forte e pesada e uma trama narrada nos moldes de um mangá, cheia de surpresas e situações inimagináveis. O resultado é algo que faria Tarantino ficar enjoado e maravilhado ao mesmo tempo. Se não fosse a segurança de Miike na realização, o filme poderia cair ou para o tosco ou para o caricato demais. É exatamente esse limite, essa extremidade que faz do seu trabalho algo especial, inovador e diferente.

Ichi The Killer não é para qualquer um. É uma obra forte, pesada e violenta, de um realizador corajoso e inteligente, com um estilo muito peculiar e que sabe até onde pode conduzir as suas ideias e técnicas. Com protagonistas muito bem trabalhados e um ambiente que mistura surrealismo com um pouco de comédia, o filme faz jus ao status de culto assim como Takashi Miike faz juz ao status de enfant terrible nipônico no cinema.

Marcus Vinicius

Cinema asiático vencedor em Locarno

2007-08-16T10:04:00.000+01:00

O realizador japonês Masahiro Kobayashi venceu a mais alta distinção da 60ª edição do Festival Internacional de Cinema de Locarno, o Leopardo de Ouro, na Suíça, pelo filme "Ai No Yokan", uma história sobre o relacionamento entre a mãe de um assassino e o pai da vítima. O filme centra-se na relação entre duas pessoas com existências monótonas: Nirko, a jovem mãe de uma adolescente que matou um colega de escola e Junichi, o pai da vítima, que é interpretado pelo próprio Kobayashi. O Prémio Especial do júri foi para o filme sul-coreano “Memories”.

Mais uma vez, o cinema asiático mostra a sua força, com dois prémios num festival de cinema.

Sérgio Lopes

Fearless (Huo Yuan Jia)

2007-08-13T00:20:00.000+01:00

China/Hong-Kong/EUA, 2006, 107Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Relato da vida da lenda de artes marciais Huo Yuanjia, que se tornou no mais famoso lutador da China nos primórdios do século XX. Huo enfrentou tremendas tragédias pessoais desbravando por fim o caminho para além das trevas e para um lugar na história, definindo, para todo o sempre, o verdadeiro espírito das artes marciais. O seu auto conhecimento, e as escolhas que fez ao longo da vida, inspiraram uma nação.

Crítica: Confesso que, sabendo que Fearless seria realizado por Ronny Yu, fiquei um pouco renitente à sua visualização, pois o cineasta de Hong-Kong, apesar dos créditos firmados no seu país, é o homem por trás dos sofriveis Bride Of Chucky e Freddy Vs. Jason e do aceitável Formula 51, em terras americanas. No entanto, há que referir que com Fearless, Yu volta em grande forma a Hong-Kong, com um biopic de artes marciais com sequências de luta espantosas e alguma densidade dramática, bem como um Jet Li em grande forma no alto dos seus 44 anos de idade.

Fearless centra-se na vida de Huo Yuan Jia, uma importante figura no panorama das artes marciais da cultura chinesa do princípio do século XX, fundador da escola / federação de artes marciais Jing Wu Sports Federation. O filme acompanha o herói desde os tempos de juventude até ao grande torneio em que competiu com 4 lutadores, dos 4 cantos do mundo, numa luta que ultrapassava os limites do ringue e coincide com uma época conturbada politicamente, na luta dessa quatro potências pelo domínio da China.

A grande força do filme reside nas fantásticas cenas de luta, coreografadas de forma sublime por Yuen Woo Ping, responsável pelas sequências de alguns dos mais recentes sucessos, tais como Matrix, ou Kill Bill, entre outros. De facto, as cenas de luta são realistas, bem encenadas, rápidas e a espaços brutais e bastante realistas, apesar de por vezes roçar o exagero. Ronny Yu consegue um bom equilíbrio entre o drama baseado numa vida de opressão e desgosto e as cenas de arte marciais, e apesar dos inevitáveis clichés, o resultado é bastante satisfatório. Jet Li tem uma performance poderosa fisicamente e não desilude na parte dramática da sua interpretação.

Fearless é pois um biopic carregado de acção que serve o seu propósito como filme de artes marciais, dando a conhecer um pouco a nível dramático da vida do icon Huo Yuanjia. Envolto em polémica desde início, o filme sofreu um corte de mais de 40 minutos em relação à versão original que removeu por completo todo o papel da bela Michelle Yeoh, bem como a família do próprio Huo Yuanjia reprovou a forma como este foi tratado no grande écrân. Marca também o abandono de Jet Li dos filmes de artes marciais, pelo menos até ver... Mas no fundo (e tendo visto a versão cortada), achei uma experiência digna de ser vista e recomenda-se.

Sérgio Lopes

Estreia da semana - The Host

2007-08-09T07:45:00.000+01:00

Depois de com Memories Of Murder, o seu segundo filme , ter criado um dos melhores policiais da história do cinema, o cineasta sul-coreano Joon-ho Bong regressa com The Host, supostamente uma das produções Coreanas mais caras do ano passado, e também um dos filmes de maior sucesso internacional do panorama asiático.

Contando com Bae Doona, Park Hae-il, Song Kangho (Memories Of Murder) e Byeon Hee-bong, nos principais papéis, The Host centra a premissa nos acontecimentos que ocorreram perto do Rio han onde um terrivel monstro, escondido nas profundezas, começa a atacar e aterrorizar a comunidade.

O filme estreou finalmente em Portugal, depois de, na Coreia, já ter sido visionado por mais de 3 milhões de pessoas. The Host precisou apenas de 5 dias para atingir os 3.15 milhões de espectadores comparativamente com o anterior detentor do recorde Taegukgi, que só atingiu esse número de espectadores passados oito dias de exibição. Podem visualizar a crítica clicando AQUI.

Página Oficial
Galeria de Fotos

Sérgio Lopes

To Sir With Love (Seuseung-ui eunhye)

2007-08-06T17:45:00.000+01:00

Coreia do Sul, 2006, 90Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Um grupo de ex-estudantes reunem-se para uma última visita à sua professora primária que se encontra gravemente doente. No entanto, o que se pensava ser uma reunião de reencontro entre professora e ex-alunos, cedo se transforma numa vingança sangrenta, pois cada um dos jovens tem algo a apontar à sua antiga professora...

Crítica: To Sir With Love (a.k.a My teacher / Bloody Reunion) nada tem a ver com o filme com o mesmo nome, clássico de 1964, de Sidney Poitier. Trata-se, acima de tudo, de um flick de terror bem à moda dos grandes slashers dos anos 80, nomeadamente Friday The 13th, ou Texas Chainsaw Massacre, entre outros. Pelo menos, por uma vez que seja, não temos a eterna rapariga jovem de longos cabelos negros como fonte aterrorizadora, o que por si só já constitui uma lufada de ar fresco na saturada onda de terror asiático.

Alertem as pessoas de estômagos mais fracos, pois o filme apresenta cenas não recomendáveis aos mais sensíveis... Tudo começa com uma reunião de antigos colegas de turma com a sua professora gravemente doente. Eles deslocam-se à casa à beira rio da sua ex-tutora onde se dá o reencontro. Com alguns copos bebidos a mais, traumas do passado começam a ser relembrados, pois cada um dos jovens tem algo de grave a apontar à simpática professora. Após o jantar, as mortes começam em catadupa e cada um dos alunos é massacrado violentamentemente. As mortes são brutalmente elaboradas e sádicas, ao bom estilo slasher. E tudo aponta para uma vingança perpretada pelo filho deficiente da professora, outrora criado numa cave sombria, vítima do desprezo dos demais colegas devido ao seu aspecto grotesco... Mas será que é mesmo assim...?

Em boa parte, o filme assemelha-se ao clássico slasher, mas o último terço traz uma reviravolta nu domínio do terror psicológico que faz desta obra, algo singular no domínio do terror coreano. O realizador Im Dae Woong faz um excelente trabalho, mantendo um ritmo equilibrado ao longo dos ideais 90 minutos de duração, nunca sendo enfadonho e permitindo assim captar a atenção do espectador permanentemente. Intercalando flashbacks e visões surreais, o cineasta consegue manter um ambiente de tensão constante, bem como um feeling de ameaça e desconforto.

Os actores têm performances seguras, acrescentando a dose de realismo necessário para fazer a coisa funcionar. No terceiro acto, o filme caminha para o domínio do surreal com alguns twists mais ou menos eficazes, que embora difiram do ritmo inicial, deixam uma sensação de ambiguidade que acaba por tornar ainda mais credível os acontecimentos. No global, "To Sir With Love" pauta-se por uma agradável surpresa, que combina dois universos de terror, o slasher e o terror psicológico, de forma homogénea. valendo a pena a sua visualização.

Sérgio Lopes

Férias...

2007-07-18T19:01:00.000+01:00

Boa tarde a todos os frequentadores deste humilde espaço. Como têm reparado, o tempo não tem sido muito para actualizar o blogue com a devida frequência, pois a nível profissional o tempo aperta e é escasso. No entanto, temos feito os possiveis para não defraudar as expectativas de quem visita o cineasia. Chegou, no entanto, a altura merecida de tirar uns dias de férias para recarregar baterias. Por essa razão, até ao dia 01 de Agosto, o espaço não será actualizado, pois estarei ausente, de preferência a gozar uns banhos de sol, numa praia relaxante...

Prometo que a partir de Agosto voltaremos ao ritmo normal. Peço a vossa compreensão. Cumprimentos a todos e bons filmes...

Sérgio Lopes

Regresso de Hideo Nakata com Kaidan

2007-07-16T00:01:00.000+01:00

Hideo Nakata, o aclamado realizador japonês, criador dos sucessos Ringu e Dark Water, entre outros, regressa com um novo projecto, com lançamento previsto para 4 de Agosto de 2007, intitulado Kaidan. Protagonizado por Kikunosuke Onouse e por Hitomi Kuroki (Dark Water), a película será baseada em Shinkei Kasanegafuchi, uma compilação de histórias de fantasmas do período EDO, muito conhecidas no Japão e já outras vezes adaptadas ao cinema.

Hitomi Kuroki, encarna uma profesora que, após se apaixonar por um vendedor de tabaco (Onouse), morre, mas voltará para se vingar dele e das suas amantes. A página oficial encontra-se já funcional, mas o site GOMORRAHY.com contém uma carrada de informação, que vai desde o trailer principal, 2 teaser trailers e uma galeria de fotos. Tudo isto, pode ser acedido nos links abaixo directamente.

Página Oficial; GOMORRAHY

Sérgio Lopes

Remake de "A Tale Of Two Sisters"

2007-07-14T17:36:00.000+01:00

E continuam os remakes de filmes asiáticos, agora é a vez do espetacular ‘A Tale of Two Sisters’ ter a sua versão ocidental e o elenco já começa a ser formado. Elizabeth Banks (Spider-Man 3) será a obsessiva madrasta das irmãs, conforme informou a revista Variety. Algum tempo depois, o The Hollywood Repórter informou que David Strathairn (Fracture) irá interpretar o pai. As últimas atrizes a integrarem o elenco foram Emily Browning (Lemony Snicket's A Series of Unfortunate Events) e Arielle Kebbel (The Grudge 2). É bastante provável que elas interpretem as duas irmãs, mas nada foi mencionado sobre o papel das actrizes no projeto. O filme começa a ser rodado em julho, em Vancouver, no Canadá. Mais informmações serão colcoadas no cineasia assim que estiverem disponíveis.

Marcus Vinicius

The Warlords - Trailer e Página Oficial

2007-07-12T23:39:00.000+01:00

Com um elenco verdadeiramente de luxo, constituido por Andy Lau, Jet Li e Takeshi Kaneshiro, não há dúvida que o novíssimo filme de Peter Chan The Warlords, é a grande expectativa do ano, no que toca ao cinema oriundo de Hong-Kong.

Trata-se de um épico, a larga escala, com grandes batalhas e uma produção cuidada, enfim um verdadeiro blockbuster em prespectiva. Encontra-se disponível a página oficial com um trailer incluído, que pode ser acedido, clicando no link abaixo. Aguarda-se pacientemente e com grande expectativa por mais informações...

Página Oficial

Sérgio Lopes

Rush Hour 3

2007-07-07T14:37:00.000+01:00

Jackie Chan regressa com a terceira parte do franchising Rush Hour. O filme mantém o duo de sucesso composto por Jackie Chan e Chris Tucker nos principais papéis, acrescentando ainda a presença da estrela chinesa Zhang Jingchu, bem como do famosos actor japonês Hiroyuki Sanada. Rush Hour 3 é lançado em Agosto de 2007 e promete oferecer mais uma óptima dose de acção e comédia.

Trailer - Página Oficial

Sérgio Lopes

Trailer principal de D-War

2007-07-05T00:44:00.000+01:00

O blockbuster coreano de ficção científica, intitulado D-War está finalmente concluído e pronto para arrasar as bilheteiras, embora tenha à partida já alguns pessimistas em relação à qualidade do filme. Num ano marcado pelo monstro também Coreano "The Host", as comparações são inevitáveis. D-War é o filme mais caro da história da Coreia, ultrapassando os 100 milhões e demorou cerca de 5 anos a ser realizado!

No entanto, parece que o esforço valeu a pena, pois independentemente da qualidade de D-War, este já conseguiu destronar The Host, estreando em solo americano em nada mais nada menos que 1500 salas de cinema em Agosto deste ano, contra as apenas 100 salas para The Host.

O cineasia apresenta o trailer principal e página oficial de D-War. Enjoy...

Trailer - Página Oficial

Sérgio Lopes

R.I.P.

2007-07-04T01:48:00.000+01:00

Faleceu na passada sexta-feira o cineasta taiwanês Edward Yang, aos 59 anos,depois de travar uma dura e penosa luta contra o cancro do cólon. Edward Yang foi muito importante para o desenvolvimento artístico do cinema taiwanês e a sua morte deixa um vazio difícl de preencher - disse Peggy Wang, encarregada de cinema da Oficina de Informação do governo taiwanês.

Yang, nascido em Xangai de pais que emigraram a Taiwan para escapar do comunismo na China, estudou engenharia eletrotécnica na prestigiosa Universidade Jiaotong de Taiwan, antes de se mudar para os Estados Unidos para prosseguir seus estudos e especializar-se em cinema na Universidade da Flórida.

O seu trabalho mais conceituado é o filme Yi-Yi, vencedor do prémio de realização no festival de Cannes de 2000. O cinema Taiwanês fica mais pobre, mas Yang será sempre relembrado pela qualidade das suas películas.

Sérgio Lopes

The Messengers

2007-06-28T00:32:00.000+01:00

EUA, 2007, 84Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Para fugir ao ritmo frenético de Chicago, a família Solomon decide deixar tudo para trás e instalar-se numa casa de campo na Dakota do Norte. Os deslumbrantes campos de girassóis da quinta compõem aquele que parece ser o cenário ideal para Roy e Denise e para os seus dois filhos: Jess, de 16 anos, e Ben, de 3 anos. Mas o inicial comportamento estranho de Ben – que aparenta ter visões - levanta suspeitas a Jess e cedo a família é confrontada com a existência de forças maléficas dentro daquela que parecia ser a casa perfeita...

Crítica: The Messengers trata-se da primeira aventura em solo americano do duo de peso do terror asiático, os irmãos Danny e Oxide Pang, responsáveis por algumas das obras mais marcantes do terror oriental recente, tais como, o tríptico 'The Eye', 'Ab-Normal Beauty' ou 'ReCycle', entre outros. E tal como noutras incursões do género, infelizmente, o resultado é muito pouco satisfatório. Ainda que o culto à volta dos irmãos Pang seja devido sobretudo a alguns primores técnicos na realização dos seus filmes, o facto é que exceptuando "The Eye" e eventualmente "Bangkok Dangerous", os seus trabalhos são regra geral algo irregulares.

Em The Messengers acompanhamos uma família que muda para um meio rural, tentando escapar de um problema familiar e recomeçar a sua vida longe da grande metrópole, num local calmo, sereno e onde a famílai procura uma certa reunião. O problema (como seria de esperar) está na casa para onde vão habitar, onde estranhos fenómenos ocorrem e em vez da família colher a paz e a serenidade requerida, embarca num turbilhão de incertezas e medos... Onde é que já vimos isto antes? Em inúmeros filmes do género....

Os irmãos Pang vão fazendo o que podem, não muito, pois o argumento é vulgar e não têm muito por explorar. Os actores são meros veículos para as ocorrências estranhas, sem dimensão, exceptuando talvez a jovem actriz principal, centro da acção e cujo papel aparece um pouico mais desenvolvido. O resto é o mesmo de sempre, ou seja, planos onde a enfatização da música e as aparições bruscas dos fenómenos fantasmagóricos, tentam provocar o susto e o inesperado no espectador. O problema é que já não é inesperado...

Consta-se ainda que os irmãos Pang foram obrigados, pela produtora, a refazer algumas cenas após finalização do filme, pois não estavam satisfeitos com o resultado final do filme. Isto prova que os cineastas não tiveram total liberdade para a realização do filme, facto aliás que sucede com muitos outros realziadores, até mesmo os americanos. O resultado obviamente fica aquém das expectativas. The Messengers não sendo um mau filme, pauta-se por uma mediania constante. Vê-se e logo se esquece. Resta questionar a razão das incursões de cineastas asiáticos em domínio americano, com resultados pouco satisfatórios, muito aquém daquilo que produzem no país de origem.

Sérgio Lopes

Gong Li no novo filme de Tim Burton?

2007-06-26T00:05:00.001+01:00

Gong Li (Curse of the Golden Flower, Memoirs of a Geisha) poderá ser a actriz principal do mais recente projecto do visionário realizador Tim Burton intitulado "Ripley, Believe It or Not", um biopic, sobre o autor e artista americano Robert L. Ripley. Burton encontra-se também em negociações com o comediante Jim Carrey, para actor principal, uma vez que Johnny Depp, o actor fetiche do cineasta, declinou o projecto.

Gong Li fará o papel da namorada chinesa de Carrey, utilizado o seu próprio nome "Gong Li". O filme, com um orçamento de 150 milhões de dólares, incidirá sobre a vida atribulada do artista americano e a sua recheada experiência de vida. As filmagens iniciarão no próximo inverno, sendo que a estreia de "Ripley, Believe it or not" está prevista para 2009. Mais informações serão colocadas no cineasia, asssim que estiverem disponiveis.

Sérgio Lopes

Novo filme de Mamoru Oshii

2007-06-25T00:52:00.000+01:00

Conhecido internacionalmente pelos filmes da franquia "Ghost in the Shell", Mamoru Oshii irá realizar "The Sky Crawlers", longa de animação que deve ser lançada no Japão em meados 2008, segundo informa a produtora japonesa Prodution I.G. O trabalho será baseado na saga literária homônima escrita por Hiroshi Mori. A história decorre num presente alternativo, onde humanos geneticamente concebidos para serem sempre adolescentes, conhecidos como "kildren", lutam numa guerra como diversão para o povo.

Após ler o original, Oshii o louvou como "um trabalho que deveria ser transformado num filme para os jovens de hoje". "É hora de encarar essa nova percepção de nossa existência através dos kildren, que vivem indefinidamente numa juventude perpétua, e esse tema deve ser lidado agora", declarou o cineasta. Destacam-se das suas obras o já citado "Ghost in the Shelll" e "Patlabor". Na sua filmografia predominam animações futuristas e bastante estilizadas, geralmente com um olhar muito pessimista em relação à humanidade.

Marcus Vinicius

Estreia da semana - The Banquet

2007-06-22T00:11:00.000+01:00

Uma adaptação muito livre de Hamlet de Shakespeare, The Banquet centra-se num império em caos. O Imperador, a Imperatriz, o príncipe legítimo, o ministro e o general, todos eles têm os seus próprios inimigos. Tentarão livrar-se de cada um deles num gigantesco banquete organizado pelo imperador...

É a estreia da semana, do realizador Feng Xiaogang, um dos cineastas chineses mais mainstream, um épico a larga escala, com Ziyi Zhang e Daniel Wu, como principais protagonistas. Podem ler a crítica a The Banquet, anteriormente colocada no cineasia, AQUI.

Sérgio Lopes

New York Asian Film Festival 2007

2007-06-21T00:34:00.000+01:00

O New York Asian Film Festival (NYAFF) é um evento anual que proporciona aos americanos da cidade de Nova York desfrutar do melhor cinema asiático actual. Em parceria com o site Subway Cinema, são visionados dezenas de filmes asiáticos recentes sendo escolhidos 30 considerados os mais interessantes e que estarão em competição durante o festival.

O NYAFF decorre entre 22 de Junho e 8 de Julho. Em 2005, o evento registou uma audiência superior a 7000 esoectadores e a edição de 2006 suplantou em muito este número. Em cada edição, são os próprios espectadores que votam e escolhem o que é considerado melhor filme galardoado com o prémio NYAFF Audience Award.

Os vencedores das últimas edições foram: MY SASSY GIRL (Coreia do Sul - 2002), PING PONG (Japão - 2003), PLEASE TEACH ME ENGLISH (Coreia da Sul - 2004), e THE TASTE OF TEA (Japão - 2005) e ALWAYS (Japão - 2006). Este anos decorre a sexta edição. Oportunamente o cineasia divulgará o grende vencedor da edição deste ano. Entretanto para ver a lista de filmes em competição, clicar AQUI.

A lista de filmes a exibir este ano é impressionante contendo entre muitas outras propostas interessantes os novíssimos filmes de Takashi Miike (Big Bang Love Juvenile A), Park Chan Wook (I'm a Cyborg But That's Ok), Johnnie To (Exiled), ou Kiyoshi Kurosawa (Retribution). Imperdível! Pena que seja nos EUA...

Sérgio Lopes

Alone... estreia 5ª feira!

2007-06-20T00:07:00.000+01:00

A dupla de realizadores tailandeses Parkpoom Wongpoom e Banjong Pisanthanakun, responsáveis por uma das melhores propostas de terror mais recentes, 'Shutter', regressam, com nova película de terror, desta feita sobre gémeas siamesas, intitulada Alone. O filme estreia já amanhã, na Tailândia, e a expectativa é enorme após o sucesso tremendo de Shutter.

A sinopse é a seguinte: “Pim (Marsha Watanapanich) muda-se para a velha casa onde nasceu. Lá experencia aparecimentos súbitos de memórias perturbantes e a sensação de que alguém, ou algo, a move para o seu lado direito. Quando a verdade é descoberta, Pim apercebe-se que tivera uma irmã siamesa, ligada a ela pela anca..."

Encontra-se disponível o site oficial em flash que contém uma série de bónus, incluíndo um trailer de alta definição, disponível para download em formato quicktime, AQUI.

Sérgio Lopes

Lisbon Village Festival - Presença Asiática

2007-06-19T00:04:00.000+01:00

De 07 a 24 de Junho, cinema digital vindo de todo o mundo, exposições protagonizadas por novas tecnologias e festas ao som de grandes DJs da actualidade colocam novamente Lisboa no mapa das grandes metrópoles internacionais. Trata-se da segunda edição do Lisbon Village Festival. A secção dedicada ao cinema designa-se Village International D-Cinema Festival (VIDCF) e decorrerá entre 18 e 24 de Junho.

No que toca à presença asiática, o VIDCF, fruto da parceria com o festival nipónico Skip City International D-Cinema, recebe, entre 19 e 21, as seguintes curtas: Bluebottle, de Mamiko Hiwatari; Hello Horizon, de Nobuyuki Yoshikawa; Sakura Sakura, de Makoto Yamaguchi; bem como a longa metragem, The Summer Of Stickleback, de Mayu Nakamura.

Cliquem no logo do festival, para informações mais detalhadas, incluindo todo o programa do festival.

Sérgio Lopes

Novo épico protagonizado por Andy Lau

2007-06-17T15:15:00.000+01:00

Encontra-se disponível o trailer do épico ‘Three Kingdoms: Resurrection of the Dragon’ protagonizado por Maggie Q (estrela internacional de Die Hard 4) e Andy Lau (Infernal Affairs, Protegé), baseado numa das mais importantes peças de literatura chinesas, do escritor Luo Guangzhong “Romance of the Three Kingdoms” que proporcionou igualmente material para o novo de filme de John Woo Battle of Red Cliff.

Com um orçamento de mais de 25 milhões, esta mega-produção chinesa promete arrasar as bilheteiras. Em algumas cenas serão utilizados cerca de 40.00 extras, o dobro dos utilizados na trilogia "Lord Of The Rings".

Trailer

Página Oficial

Sérgio Lopes

After The Rain (Ame Agaru)

2007-06-13T00:18:00.000+01:00

França/Japão, 1999, 91 Min.

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Sinopse: Misawa (Akira Terao) é um ronin (samurai sem mestre), que juntamente com a sua esposa anda pelo mundo à procura de emprego. Numa noite, eles são surpreendidos por uma enchente e ficam numa pequena estalagem ao lado de pessoas muito necessitadas. Misawa sai em busca de mantimentos para essas pessoas, utilizando toda a sua técnica de samurai, e desperta a atenção do lorde do feudo local...

Crítica: Koizumi foi assistente de realização de Akira Kurosawa durante 28 anos, desde 1970, inclusive passando pela crise que o realizador sofreu desde Dodeskaden, mas pode ver a recuperação do mesmo com Derzu Uzala e assim por diante. Ame Agaru foi o último argumento escrito pelo mestre criador de Seven Samurai, baseado num conto do escritor Shugoro Yamamoto.

A história trata de pontos bem interessantes, como a mudanças dos tempos, por exemplo. Misawa, ao ser convidado pelo Lorde do feudo para fazer uma demonstração no seu castelo. Mas como ele quebrou o código de ética dos samurais, ele atraiu a ira dos veteranos, que também invejaram a sua técnica e seu talento. É um drama pessoal e simultaneamente colectivo, pois retrata que a era onde os samurais reinavam acabou, cuja nova era é pobre e decadente. Misawa sente isso, ao mesmo tempo em que sente essa mudança de valores, ele não se conforma com a pobreza das pessoas ao redor, tanto que sai de sua conduta para lhes providenciar comida.

Porém se o argumento é interessante, tecnicamente logo se vê que Koizumi não é Kurosawa, nem de longe. Fica claro que uma coisa é o mestre, o professor, aquele que é considerado o ‘imperador’ do cinema oriental, e outra coisa bem diferente é o seu aprendiz, seu aluno, esforçado e só, nada de espetacular ou especial. Ame Agaru é uma obra que fica presa à comparação, a constante citação, ou melhor, a constante recorrência as obras de Kurosawa. Não que a obra seja de todo má, mas a impressão que fica é que o realizador apenas copiou o estilo. Akira Terao, excelente actor, mantém o ritmo e a vontade do expectador de continuar assistindo.

Talvez o único que poderia tirar Ame Agaru do papel seria seu criador. Se Koizumi quis fazer uma homenagem ao mentor, ele obteve algum êxito. Mas como tentativa de se igualar ao imperador, bem... então falhou completamente. Por mais que o cinema asiático e japonês esteja numa óptima e constante evolução, é praticamente impossível surgir um novo Kurosawa. A meu ver, seria algo como surgir um novo Chaplin, alguém que de alguma forma reinventou o cinema.

Marcus Vinicius

Dorm (Dek Hor)

2007-06-09T12:14:00.000+01:00

Tailândia, 2006, 110Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Chatree é uma criança que no seu sétimo ano lectivo é enviado para um colégio interno pelo pai, para que consiga melhorar as notas. À chegada ao seu novo dormitório, terá que enfrentar não só as outras crianças que fazem a vida negra ao novo aluno, mas também os mistérios sobrenaturais que povoam o dormitório...

Crítica: Realizado por Songyos Sugmakana e saído directamente da Tailândia, país proveniente do belíssimo filme de terror Shutter, chega-nos Dorm, mais uma excelente proposta que mescla o sobrenatural com a problemática da adolescência e da reclusão familiar. Dorm não é o típico filme de fantasmas, aliás pode-se dizer que terror, propriamente dito, até tem pouco, embora a campanha de marketing se tenha empenhado em transparecer que a base do filme era o terror.

E de facto Dorm não é um filme de terror, mas antes um filme com uma atmosfera reinante arrepiante e desconfortável, mas focalizado nos problemas de adolescência e inadapaatção do jovem Chantree, transferido para um colégio interno, por ordem maioritariamente de seu pai. Chantree sente-se injustiçado e inadaptado ao seu novo espaço , um dormitório, onde se contam histórias de fantasmas que assolam o local durante a noite...mas lentamente o jovem vai se entrusando no seu novo ambiente e cria uma amizade muito forte com Vichien, um jovem que todos os dias, pelas 6 da tarde desaparece misteriosamente e que só Chantree parece conseguir ver...
Dorm situa-se algures entre "El Espinazo del diablo" de Guillermo Del Toro e "O Sexto Sentido" de M. Night Shyamalan, sendo que se aproxima bastante mais da película do mexicano, não só na forma, como até no conteúdo, na medida em que o jovem cineasta tailandês estrutura toda a sua narrativa numa base emcional, sendo a parte sobrenatural, um mero suporte da acção. A parte sobrenatural existe e assusta a espaços, com truques algo batidos mas aplicados de forma eficaz (ranger de portas, cães a uivar, uso da música em crescendo) mas o facto do climax ocorrer a meio, durante a projecção de um filme no colégio, obriga a que a toada do filme se desprenda um pouco da parte sobrenatural e caminhe na direcção do estudo de personagens e relacionamento entre Chantree e Vichien.

Nesse sentido, Dorm acaba por ser um filme que se consegue descolar dos habituais clichés do género. Songyos Sugmakana utiliza constantemente tons de cinzento para tornar o dormitório um local sinistro, que principalmente quando filmado à noite é de facto arrepiante. O filme é ben estruturado e ritmado e o argumeto bem delineado investindo sempre na parte emocional e humana dos personagens, dando assim maior credibilidade aos acontecimentos sobrenaturais, até porventura provenientes do isolamento e medo.

Vencedor do urso de vidro no festival de Berlim, bem como de uma menção especial para Sugmakana no mesmo festival, Dorm pauta-se por um filme que abana as convenções do género horror. Um filme diferente e nada convencioal dentro do género que merece a nossa atenção.

Sérgio Lopes

Kamikaze Taxi

2007-06-04T18:38:00.000+01:00

Japão, 1995, 170Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Um jovem yakuza procura vingança quando a sua namorada prostituta morre após uma sessão com um poderoso político japonês com um gosto especial por tortura. Inicia então uma missão 'kamikaze' para fazer justiça... pelo caminho encontra um taxista recentemente regressado ao Japão após ter vivivido na América do Sul e que luta contra a pobreza.

Crítica: Com certeza você já ouviu falar do termo “dekassegui”, que designa os brasileiros descendentes de japoneses que vão ao Japão para tentar uma vida melhor. Essa foi uma palavra literalmente inventada no Brasil, mas que ganhou força internacionalmente; sendo hoje incorporada até no vocabulário do Japão. Mas, deixando aspectos linguísticos de lado, e voltando ao lado mais socioeconômico, o assunto ganha uma dimensão cada vez maior no Japão na medida em que o país não consegue sair da recessão de mais de uma década e na medida em que o número de dekasseguis aumenta. Aos poucos, eles vão se incorporando na cultura japonesa invadindo até as telas de cinema.

Caso típico é o filme “Kamikaze Taxi”. Poderia ser simplemente mais um dos milhares de filmes sobre a Yakuza, se não tratasse exatamente desse assunto. O filme começa como um documentário, que serve para posicionar historicamente o espectador, lembrando até o estilo de Kinji Fukasaku em “Battle With Honour and Humanity”. Além de citar factos históricos e entrevistar dekasseguis, o realizador afirma que há 150 mil “estrangeiros” que abandonaram os países de criação e retornaram ao Japão como cidadãos de segunda classe; existem 90 mil Yakuzas; e o país tem uma quantidade de políticos corruptos além do desejado. E que, às vezes, esses grupos se cruzam. É o que ocorre nesse filme.

Tatsuo (Tatsuya Takahsahi) é um aspirante a Yakuza que recebe sua primeira missão: recrutar garotas de programa para o corrupto senador Domon (Naito Taketoshi). Para essa tarefa, leva sua amante e a colega Tama (Reiko Katayama). O senador Domon, ex-kamikaze, é um típico político japonês que vê na retórica nacionalista e no orgulho pós-guerra o seu combustível eleitoral e de crítica a grupos contrários. No encontro, Domon acaba matando a amante e ferindo Tama. Após escapar, Tama conta a Tatsuo que Domon mantém uma boa quantia de dinheiro escondida em um vaso em sua casa. Ambicioso e com um sentimento de vingança, Tatsuo reúne alguns amigos e roubam a casa do senador.

O que parecia ser uma missão de sucesso, acaba virando um pesadelo. O clã da Yakuza protegido por Domon descobre a traição de Tatsuo e vai atrás do bando. Todos os amigos de Tatsuo são mortos impiedosamente. Ele consegue escapar e acaba contratando um taxista para levá-lo a Tóquio para se vingar do clã. O taxista é justamente o dekassegui Kantake Kazumasa (Koji Yakusho), que saiu do Japão quando criança e imigrou para o Peru, e que retornara ao Japão para tentar ganhar a vida com taxista. Kantake — que guarda consigo um grande segredo — é um típico dekassegui: retraído e com muita saudade de casa. É ainda semi-analfabeto na língua japonesa e constantemente pede ajuda a seus passageiros para identificar ruas num guia.

Durante a viagem, o cineasta Masato Harada expõe o mundo da Yakuza e dos dekasseguis num simples táxi, fazendo um confronto entre os dois mundos aparentemente incongruentes. Tatsuo é um típico jovem japonês, que através da geografia, expõe a sua ignorância e indiferença pelo mundo fora do Japão. “Não é na União Soviética?”, pergunta sobre a localização do Peru. Kantake, por sua vez, tenta compreender o mundo da honra e da fidelidade presente na sociedade japonesa e se mantém fiel a seu passageiro, mesmo sabendo que ele é um Yakuza jurado de morte. Aos poucos, os dois vão entendendo o mundo do outro e vão descobrindo que as afinidades entre eles são bem maiores do que pensavam, criando uma relação, ao mesmo tempo, amistosa e estranha. Mas o melhor do filme fica para o final surpreendente e extremamente pesado e crítico.

Enfim, o filme expõe de forma escancarada o problema da imigração e sua relação com a sociedade japonesa a diferentes níveis. Fica registado que a trilha sonora é totalmente composta por músicas típicas dos Andes e, durante os créditos, são mostradas fotos de habitantes da região, numa clara homenagem do diretor ao povo andino. Estamos diante de um belíssimo filme de três mundos diferentes: Yakuza, dekasseguis e políticos; e, como diz o filme, às vezes eles se cruzam...

Ric Bakemon

Linger, de Johnnie To

2007-06-02T15:44:00.000+01:00

Johnnie To, um dos mais consagrados cineastas de Hong-Kong, cujo nome foi construído com base nos thrillers criminais sobre a tríade local, muda completamente de registo com o seu próximo filme, ao que parece um pequeno drama romântico intitulado, Linger, protagonizado por Vic Zhou e Bing-Bing Li.

Eis a frase promocional: Vida atribulada, corações destroçados, amores inesqueciveis... O reaparecimento de um amor perdido trará de volta o sentimento desvanecido do amor. Será real ou apenas um pedaço de uma memória perdida? mas podemos escolher a nossa memória. Revela uma verdade insopurtável, enquanto a verdadeira perfeição vem sempre anexada aos nossos arrependimentos...

Mais informações serão colocadas no cineasia, assim que estiverem disponiveis.

Sérgio Lopes

The Good, The Bad and The Weird - Posters

2007-05-31T05:55:00.000+01:00

The Good, the Bad, and the Weird (sugestivo título), é um western que decorre nas planícies de Manchuria e diz-se que será o trabalho mais acessivel até à data do cineasta Kim Jee-woon.

Aqui fica a sinopse: Nos anos 30, o mundo está um caos; a península Coreana é dominada pelos Imperialistas Japoneses e a única salvação é a fuga para as remotas e vastas planícies da Manchuria. Alguns Coreanos inevitavelmente tornam-se bandidos para poderem sobreviver. Tae-gu (The Weird) é um assaltante de comboios que consegue obter um mapa que indica a existência de um tesouro da dinastia Qing algures enterrado na Manchuria. O mapa é também procurado por Chang-yi (The Bad), um bandido assassino, que ataca o comboio na mesma altura que Tae-Gu. No final do intenso tiroteio, eis que surge Do-won (The Good), um caçador de recompensas, que procura capturar Tae-Gu. Os três homens cedo se irão aperceber que a luta pelo mapa irá atraír ainda mais inimigos e terão que unir esforços, apesar das suas personalidades antagónicas...

Kim Jee-Woon (A Tale Of Two Sisters, A Bittersweet life) prepara-se para criar o que nas suas próprias palavras define como o primeiro western oriental. Contando com um elenco de luxo, com três dos principais actores coreanos do momento, Lee Byung-Heon de "A Bittersweet Life", Jung Woo-Sung de "Muse", e Song Kang-Ho de "The Host" e "Memories of Murder", o filme orçado em 10 milhões de dólares chegará aos cinemas locais em 2008. Mais informações serão colocadas assim que estiverem disponíveis.

Sérgio Lopes

Vencedores asiáticos em Cannes

2007-05-28T01:16:00.001+01:00

Findo que está o festival de Cannes, mais uma vez, a presença asiática esteve em grande arrecadando dois prémios. O filme The Mourning Forest (A Floresta de luto), que concorreu à Palma de Ouro e foi derrotado pelo modesto filme Romeno "4 luni, 3 saptamini se 2 zile", arrecadou o grande prémio do júri. A película de Naomi Kawase trata da relação emtre uma anciã local e uma jovem, nas montanhas do Japão ocidental.

Destaque igualmente para a actriz Jeon Do-yeon que venceu o galardão de melhor actriz por Secret Sunshine. O cinema asiático volta a deixar marcas positivas no festival de Cannes, provando a sua importância no panorama cinéfilo actual.

Sérgio Lopes

Trailer completo de "Breath"

2007-05-27T00:48:00.000+01:00

Finalmente já se encontra disponível o trailer completo de Breath, o novo filme de Kim Ki-Duk. Será a primeira vez que Ki-Duk irá dirigir um actor não coreano, mais concretamente o taiwanês Chen Chang (O Tigre e o dragão). Rodado em apenas 10 dias, ao que tudo indica será mais um trabalho com pouquíssimos diálogos com a deliciosa e cativante premissa de uma história de amor envolvendo um prisioneiro que "lentamente se começa a apaixonar pela mulher que decora a sua cela". Parece que a recepção ao filme, recentemente em Cannes, foi bastante boa.

Para aceder ao trailer completo, basta clicar AQUI.

Sérgio Lopes

Boy (Shonen)

2007-05-24T21:49:00.000+01:00

Japão, 1969, 105Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Inspirado em fatos reais, o filme retrata a vida de um miúdo de 10 anos e sua família que viaja pelo Japão praticando atariya, um tipo de golpe onde uma pessoa simula ter sido atropelada para então extorquir dinheiro dos motoristas...

Crítica: Assistir a um filme do realizador Nagisa Oshima é viajar por um país sem maquilhagem e despido de todas as máscaras de certa forma criadas por conterreâneos como Ko Ichikawa ou Yasujiro Ozu. Aquele Japão perfeito, socialmente homogêneo, lutando e reerguendo-se dignamente no pós-guerra dá um lugar a um país hipócrita, socialmente injusto e que se expõe diante de um orgulho irracional. Assim, Oshima não tem medo em explorar temas que giram em torno da juventude perdida, da politica, da marginalidade e pervenções sexuais dentro desse universo da maneira mais controversa possível.

Em Boy, essa munição é logo disparada no início onde vemos os créditos escritos em vermelho sob o sol da bandeira do Japão pintada de negro, representando um país em luto com os valores absolutamente perdidos. Vale a pena lembrar que esse desenho do sol negro também foi uma forma que os coreanos — povo defendido por Oshima arduamente — usavam para atacar os japoneses.

É interessante notar que uma primeira leitura da sinopse acima, poderia sugerir a acção de yakuzas ou delinquentes juvenis, mas o espantoso é descobrir que os deliquentes em questão são uma família comum de classe baixa que vive de golpes para sobreviver. Assim, o filme retoma o tema da deliquência em família apresentada em Ai to Kibo no Machi (1959), onde o filho, estimulado pela mãe, vende pombos que sempre acabam retornando novamente a eles, para então serem novamente vendidos, num verdadeiro ciclo simbólico de imobilidade social, exactamente a mesma visão apresentada em Boy, onde o símbolo inatingível, desta vez, é o automóvel, objecto de trabalho deles.

Claro que Oshima, ao utilizar uma criança como principal foco de resistência de suas idéias, gera um choque muito maior, ainda mais quando nos lembramos da máxima do clichê do discurso social da criança ser o futuro da humanidade. No filme, a criança é simplesmente chamada de boya (miúdo) e assemelha-se como outro qualquer, usando um uniforme escolar (embora não frequente a escola) e um boné (símbolo de personalidade dos miúdos japoneses).

Quem se faz de vítima nos primeiros atropelamentos é a mãe, mas no decorrer do filme, o miúdo assume o seu lugar quando percebe o desgaste dela e descobre que os ganhos poderiam aumentar com ele como vítima. De certa forma, o filme possui um tom autobiográfico, uma vez que Oshima perdeu o pai aos 6 anos de idade e, assim, teve que assumir as responsabilidade da família, mesmo que nominalmente.

Aos poucos, ele e a mãe ganham independência e percebem que o papel do pai é meramente burocrático, de persuação física e até mesmo de fraqueza, quando ele pretende diminuir os golpes para não chamar tanta atenção. Mas os dois continuam sem ele. Novamente vemos Oshima a dar à mulher um papel dominante, mostrando-as como ser superior, enquanto os homens são mostrados como tolos, mascarados somente com uma capa patética de autoridade física. Enfim, Boy é um filme riquíssimo em detalhes simbólicos. É, portanto, mais um grande exemplo do cinema provocativo de Oshima e da sua visão corajosa, reflexiva e provocativa da sociedade japonesa. Absolutamente obrigatório.

Ric Bakemon

Novo filme sobre Bruce Lee...

2007-05-22T20:07:00.001+01:00

Finalmente o regresso de Bruce Lee, o mago das artes marciais e ícone cinematográfico. parece que o realizador Stanley Kwan (Everlasting Regret) após regressar do festival de Cannes se vai dedicar à realização de um filme sobre o actor Bruce Lee. A acção irá se centrar na juventude de Bruce Lee, contando parte da sua vida nas idades 10 e 15 anos, bem como também na idade adulta. Para já pouco mais se sabe sobre o projecto.

Assim que estiverem disponiveis mais informações, serão postadas no cineasia.

Sérgio Lopes

Novo banner do cineasia

2007-05-19T15:39:00.000+01:00

Boa tarde a todos os que frequentam este humilde espaço. De vez em quando, sentimos a necesidade de mudar algo em nós, mudar o nosso look... Foi o que sucedeu ao cineasia que decidiu fazer uma espécie de refresh e criar um novo banner. Tivemos, para isso, a ajuda do nosso colaborador Marcus Vinicius, a quem desde já agradeço. Agora coloco-vos um desafio: Quais os filmes que vão passando no banner do cineasia? Eu dou uma ajuda... um deles é o Infernal Affairs eh eh. è fácil malta. Vamos ver quem consegue... Abraços.

Sérgio Lopes

My Bluberry Nights divide Cannes

2007-05-18T15:45:00.000+01:00

Palmas em metade da sala, mas breves e pouco vigorosas - o novo filme de Wong Kar Wai, um dos mais amados estilistas visuais contemporâneos, abriu ontem o 60.º Festival de Cannes, no Sul de França. A generalidade da crítica - incluindo fãs do autor do superlativo melodrama "In the mood for love" - terá ficado desapontada com o primeiro filme em língua inglesa do autor chinês.

"My blueberry nights" é um 'road movie' sentimental que atravessa a América a partir de Nova Iorque para contar uma melancólica história de amor fracassado entre uma mulher traída e um assombrado empregado de bar. A obra fica marcada pela estreia em cinema da cantora Norah Jones, aposta pessoal de Wong Kar Wai que terá escolhido a inexperiente actriz antes de ter sequer uma história desenhada. Jude Law, Natalie Portman e Rachel Weisz completam o elenco.

O visual altamente estilizado em tonalidades fortes, com neons a pontuar os quadros cinemáticos e o aproveitamento feliz da grande paisagem americana serão mesmo o melhor do filme, que concorre para a Palma de Ouro.

Nota: Fonte - JN de 17/05/2007

Sérgio Lopes

I'm a cyborg, but that's ok (Saibogujiman kwenchana)

2007-05-16T00:57:00.000+01:00

Coreia do Sul, 2006, 105Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Num hospital psiquiátrico, uma rapariga que julga ser uma cyborg de combate apaixona-se por um rapaz que pensa ter o dom de roubar as almas das pessoas...

Crítica: Park Chan-Wook, criador da fabulosa trilogia de vingança composta por Sympathy for Mr. Vengeance, Oldboy e Sympathy for Lady Vengeance, muda radicalmente de registo com a comédia de laivos românticos I'm a Cyborg, But That's Ok. O filme volta a ter como protagonistas pessoas com dificuldade de comunicação e com perdas familiares, ou seja, a temática favorita do cineasta continua presente. No entanto, a forma como aborda essa temática é mais ligeira e acessivel ao grande público.

O filme acompanha a vida de dois doentes internados num hospital psiquiátrico, Young-goon (Su-jeong Lim), uma rapariga traumatizada pela vivência com uma avó esquizofrénica e que acredita ser uma cyborg de combate com a missão de aniquilar os enfermeiros que levaram a sua avó para longe. É vê-la a conversar com máquinas de vending e a não se alimentar, pois receia que o seu organismos cibernético rejeite os alimentos e fique "avariada". O outro personagem central é Park Il-sun, interpretado pelo conhecido ídolo POP coreano Rain, que personifica alguém que diz ser capaz de "roubar" as almas dos outros doentes. Os dois irão se apaixonar e ajudar mutuamente a superar os seus devaneios mentais.

I'm a Cyborg But That's Ok mostra o mundo próprio de cada um dos doentes confinados naquele espaço, isolados do mundo. Park Chan-Wook consegue que cada um deles doentes crie empatia com o público e é vermos uma galeria de personagens sui generis a desfilar pelo écrân. A nível estético, o jogo de cores utilizado, bem como o cuidado na adequação dos cenários é sublime. Destaque também para a interpretação poderosa do duo de protagonistas com destaque para uma performance extremamente carismática da bela Su-jeong Lim, aterrorizante quando coloca os dentes postiços de sua avó.

O problema está no argumento pouco elaborado e na indefinição narrativa do caminho a seguir. Não é difícil fazer um filme cómico com personagens num sanatório., mas talvez o cineasta tenha pretendido provar que consegue fazer um filme para toda a família, mesmo apoiado na temática da marginalização da sociedade e do isolamento. O facto de o cantor Rain ser o protagonista obviamente é um factor chamativo para o público local. I'm a Cyborg but that's ok, pauta-se por uma comédia romântica invulgar, com traços surreais (à Michel Gondry), tecnicamente irrepreensivel, ams que fica uns furos abaixo do exigivel. Não é um filme mau, mas sabe a pouco...

Sérgio Lopes

Presença asiática em Cannes

2007-05-15T00:22:00.000+01:00

O festival de Cannes, que começa no próximo dia 17, conta com forte presença asiática quer em competição oficial, quer fora da competição, desde já com a notícia do novo filmede Wong Kar Wai, "My Bluberry Nights", com honras de abertura do certame. Outros títulos a ter em conta são "The Forest of Mogari", do cineasta japonês , vencedor do prémio Camera d'Or, em 1997; "Secret Sunshine", do coreano Lee Chang-dong, cujo anterior trabalho "Oasis" saiu vencedor de Veneza em 2002; "Triangle", trabalho a três mãos dos conceituados realizadores Johnnie To, Tsui Hark, e Ringo Lam; "The Red Ballon", o remake do clássico francês, por Hou Hsiao-hsiene;Ploy, o novíssimo do Taiwanês Pen-ek Ratanaruang (desta feita sem a colaboração de Christopher Doyle) e claro está, o novíssimo e aguardado mais recente trabalho de Kim Ki-duk "Breath", entre outros.

O festival de Cannes promete assim uma programação diversificada, com propostas asiáticas intercaladas com os já habituais (infelizmente) blockbusters americanos.

Sérgio Lopes

I don't want to sleep alone... luz verde para a estreia!

2007-05-14T00:33:00.000+01:00

Parece que é desta que o controverso filme de Tsai Ming-Lian I Don't Want To Sleep Alone vai finalmente estrear em terras da Malásia. Depois de censurado e banido dos cinemas locais, o cineasta aceitou efectuar cinco cortes no filme e assim garantir que seja projectado na Malásia, no próximo dia 17 de Maio (curiosamente coincidente com o início do festival de cinema de Cannes). Tsai efectuou ele mesmo os cortes e assegura que ainda assim o filme é digno de ser visto. No entanto, irá estrear em apenas uma única sala... A boa notícia é que já foram vendidos mais de 2000 bilhetes o que significa que as duas semanas previstas para o tempo de exibição do filme estão ultrapassadas e o cineasta pretende prolongar por mais uma semana pelo menos. Bem visto.

Sérgio Lopes

Trailer de Ploy

2007-05-13T00:49:00.000+01:00

O realizador taiwanês Pen-ek Ratanaruang cujo currículo contém o excelente Last Life In The Universe e o sofrível Invisible Waves, apresenta o seu novo trabalho intitulado Ploy. Trata-se de um drama psicológico, com forte carga erótica, no qual três estranhos se encontram fechados num único quarto de hotel... O trailer encontra-se disponível AQUI.

Parece ser um filme intimista e que se espera que marque o regresso do cineasta aos filmes de qualidade. Ploy será projectado no próximo festival de Cannes, em competição Oficial.

Sérgio Lopes

Little Red Flowers (Kan Shang)

2007-05-10T00:50:00.000+01:00

China, 2006, 92Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Pequim, 1949. Qiang é um pequeno rapaz de olhar vivo e irrequieto que é matriculado num colégio interno dadas as ausências prolongadas dos pais. No colégio, há regras rígidas e Qiang não as consegue seguir: precisa de ajuda para se vestir e ainda faz xixi na cama. A sua rebeldia impede-o de ganhar as desejadas flores vermelhas, com que são premiados apenas os bons alunos. Mas em vez de se tornar um bom aluno, Qiang, começa uma pequena rebelião, convencendo os seus colegas de que a professora Li é um monstro disfarçado que come crianças.

Crítica: Em 1949, um colégio interno de Pequim recebe o seu mais novo morador, Qiang, rapaz de quatro anos que encara com relutância o futuro no seu novo lar. Obrigado a adaptar-se a um novo quotidiano que impõe regras e hábitos diferentes dos que conhece, o protagonista de "Pequenas Flores Vermelhas" sofre dificuldades na adaptação a um novo sistema, adoptando uma conduta que destoa da da maioria dos colegas e não sendo, por isso, premiada pelos pelas professoras (com as tais flores vermelhas que dão título ao filme).

Ambientado na China maoísta, a mais recente película de Zhang Yuan é um drama que parte das experiências do pequeno Qiang para relatar como funcionam os sistemas de controlo e os contrastes que reforçam ou diluem entre a esfera individual e colectiva. Ao conviver com outras crianças educadas de forma distinta da sua, Qiang terá de aderir aos códigos que as orientam sob pena de - e é o que ocorre - ser marginalizado e ignorado, seja por não ter autonomia suficiente ou por ter comportamentos considerados desadequados a certas situações.

"Pequenas Flores Vermelhas" começa por arrancar de forma promissora, já que Yuan consegue delinear uma credível atmosfera realista, com suporte determinante nas convincentes interpretações de todo o elenco (em especial do protagonista, Bowen Dong), o que é um feito notável tendo em conta que este é constituído maioritariamente por crianças.Seguindo uma estrutura episódica, a narrativa vai seguindo peripécias do dia-a-dia do infantário, de onde sobressai uma rígida rotina que se verifica em todos os momentos, das refeições à higiene pessoal. Embora foque um universo infantil, o filme evita rodriguinhos fáceis e aposta numa salutar secura emocional, ganhando ainda pela caracterização tridimensional das crianças, que nunca são reduzidas a estereótipos.

Um bom desenvolvimento inicial nem sempre leva, contudo, a que uma obra seja plenamente conseguida, e infelizmente "Pequenas Flores Vermelhas" acaba por ir perdendo o rumo à medida que se vai aproximando do desenlace. Depois de um interessante ponto de partida, Yuan parece não ter um programa especialmente trabalhado para o seu filme, repetindo situações desnecessariamente e deixando a narrativa cair na monotonia. Desperdiça-se, assim, a oportunidade de mergulhar num contexto que oferecia interessantes possibilidades, que ficam por concretizar devido a um argumento que se torna circular e inconsequente.

De "Pequenas Flores Vermelhas" guarda-se então o impacto de algumas cenas, de onde sobressai um sóbrio e perspicaz olhar de cineasta, mas lamenta-se que não sejam tão frequentes como seria desejável e que não estejam servidas por uma narrativa mais estruturada e coesa. Espera-se que o próximo filme de Yuan faça jus aos elogios que apontam a sua filmografia como uma das mais sólidas do novo cinema chinês, porque a julgar pelo seu trabalho mais recente a impressão que fica é a de uma mediania que só seduz pontualmente.

Gonçalo Sá

Indie Lisboa 2007 - Análise

2007-05-09T00:41:00.000+01:00

Esta edição do Indie Lisboa pode se considerar uma edição vencedora para o cinema asiático. Para além da extensa, inédita na Europa e quase completa retrospectiva de Shinji Aoyama, com a exibição de 14 filmes do realizador, entre os quais o último “Korogi” (“Crickets”), ainda houve uma vasta exibição de filmes asiáticos, contando entre eles alguns vencedores (“Love Conquers All”, Malásia, “Kiyumi to Sayuri”, Japão e “Adults Only”, Malásia) mas também “Exiled”, de Johnnie To, Hong Kong e “Opera Jawa”, Indonésia, entre muitos outros.

Tal como em edições anteriores, é físicamente impossível assistir a tudo, portanto, para além dos filmes premiados, não me foi possível ver parte dos filmes, nomeadamente de Shinji Aoyama e o último de Takashi Miike, “Big Bang Love, Juvenile A”. Dentro do que me foi possível ver, as surpresas foram muitas e as desilusões poucas, sendo uma delas “A Scanner Darkly”, o muito falado filme de Richard Linklater onde as personagens interpretadas por Keanu Reeves, Winona Ryder, entre outros, são animadas por cima, adoptando um grafismo de banda-desenhada, mas efeito esse que se tornava enervante desviando a atenção para o resto do filme. “Exiled” também foi, para mim, uma desilusão, sendo apenas mais um filme de gangsters de Hong Kong, com a variante de que, desta vez, se passava em Macau. É um bom filme para quem viveu ou é de lá e quer matar saudades.

Entre as muitas surpresas contam-se “Viva”, um divertido filme em que se recria o universo dos filmes de Russ Meyer e John Waters, realizado por uma mulher multifacetada que para além de protagonizar o filme, também toca música, entre outras funções. Outra surpresa foi “La Antena” um filme Argentino que é uma homenagem a filmes do expressionismo alemão e russo com uso pleno das novas tecnologias, aliado a uma história comovente. Destacaria também “Forever”, Holanda, “China, China” de João Pedro Rodrigues, “Analog Days”, Estados Unidos, “Electroma”, Daft Punk, “Herbie Hancock’s Possibilities”, Estados Unidos, e “Cuidado, as portas vão abrir”, Rússia, “Papá Lobo”, Coreia do Sul e “Um dia de sol” da secção ‘Indie Júnior’.

Shinji Aoyama, Herói Independente
Os filmes de Shinji Aoyama são muito variados, passando pelos mais diversos géneros. Segundo o próprio, exceptuando o terror, que talvez aborde em breve, por causa de uma promessa que fez a Kiyoshi Kurosawa, de que não faria filmes de terror enquanto o amigo os fizesse. Mas algo em comum se pode achar nos filmes de Aoyama, a temática da morte e do amor. Apesar desta temática constante os filmes dele acabam sempre bem, não propriamente com um final feliz, mas com as personagens a conseguirem conviver com os problemas que se lhes colocaram ao longo da narrativa de um modo bastante saudável.

São filmes com um ritmo lento, compassado, mas que nos dão tempo para prestar atenção aos pormenores que, de certa forma, compõem as personagens e a situação. Ao contrário de Kiyoshi Kurosawa, Shinji Aoyama não aposta tanto na imagem, preferindo cenários naturalistas com uma fotografia de cores pouco saturadas. Por outro lado as bandas-sonoras são rigorosamente pensadas, tanto nas ambiências que geram como nas letras das eventuais canções, que aparecem, na grande maioria, apenas nos genéricos finais. Outra característica comum nos filmes dele são as histórias e personagens completamente insólitas em situações aparentemente normais e naturalistas, aliadas a um humor muito japonês, talvez pouco acessível ao público ocidental.

Dentro do que me foi possível ver, destaco “Mike Yokohama: Forest With no Name”, simplesmente uma delícia, a participação de Seijun Suzuki em “Embalming” e a alusão ao Sebastianismo em “Korogi”.

Shinji Aoyama é um fã do cinema português, encontrando-se entre os seus realizadores preferidos Manoel de Oliveira (ele aspira poder filmar até aos 100 anos à sua semelhança), José César Monteiro e Pedro Costa. Fascinado com “O Estado das Coisas” de Wim Wenders, ele teve pena de não ter sido possível visitar as Azenhas do Mar, durante a sua estadia, mas garante que o fará em breve, quem sabe se quando algum dia fizer um filme por cá.

Este ano o ‘Indie Lisboa’ voltou à sua sala original, o Cinema São Jorge, aliando-se esta ao grupo da Av. de Roma, o Fórum Lisboa, King e Londres. Esta adição teve a vantagem de haver mais salas, possibilitou as ‘Lisbon Talks’ e as sessões de filmes com música ao vivo. A desvantagem foi que, apesar da existência do ‘Indie Bus’, o facto de ser de hora-a-hora, não facilitava assim tanto as deslocações entre avenidas e sessões. Outra desvantagem foi a opção de os fins-de-noite também acontecerem no São Jorge, sala que tem mais condições para o fazer, mas que limitou o convívio das pessoas envolvidas no festival já que a maioria se encontrava centrada na Av. de Roma, tanto os profissionais como o público. Estas desvantagens continuam a ser apenas pontuais, pequenos erros a corrigir, num festival que está a crescer e que ainda tem muito para dar. Só a possibilidade de poder ver alguns filmes que nunca serão exibidos comercialmente e muito provávelmente nem terão edição em DVD disponível por cá, é de ouro e de aproveitar.

Misato

Zhang Yimou acusado de plágio na China

2007-05-05T14:42:00.000+01:00

Zhang Yimou, o mais premiado realizador chinês, responsável por House Of The Flying Daggers e Hero, entre outros, foi acusado de plágio pelo Conselho Consultivo Político do Povo Chinês, informou a agência estatal Xinhua. A acusação foi feita pelo presidente da Associação Chinesa de Literatura Teatral e membro do Conselho Consultivo chinês, Wei Minglun, segundo o qual, o último filme do célebre realizador, Curse of the Golden Flower, foi baseado no romance dramático oriental Thunderstorm, que nem sequer é mencionado. "O filme, aparentemente, é um plágio. Embora o livro tenha sido citado em algum acto promocional, o argumento original não faz citação formal alguma ao filme. Também não foi feito agradecimento algum nos créditos", reclamou Wei.

Thunderstorm foi escrito por Cao Yu, um dos autores contemporâneos mais célebres da China e usado anteriormente em outros filmes e séries de TV do país asiático. Segundo as leis chinesas de propriedade intelectual, os direitos sobre as obras perduram por 50 anos após a morte dos autores. Assim, os de Cao Yu, falecido em 1996, continuam em vigor.

Curse of Golden Flower, ambientada na dinastia Tang (séculos 7-10), transformou-se num sucesso de bilheteria nacional, como todos os filmes de Zhang Yimou, embora muitos tenham criticado alguns detalhes do filme, como seu barroquismo, a violência gratuita e os excessivos decotes das actrizes. A atriz principal do filme é a ex-companheira e Yimou, Gong Li, que trabalhou com ele nos anos 80 e 90. Três filmes de Zhang Yimou já disputaram o Oscar de melhor filme estrangeiro – Ju Dou em 1990, Raise the Red Lantern em 1991 e Hero em 2002.

Marcus Vinicius

Dead End Run

2007-05-02T00:56:00.000+01:00

Japão, 2003, 59Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Média metragem de 60 minutos, dividida em três partes, ou mesmo se quisermos, três histórias diferentes. O único elemento comum é que começam sempre por nos mostrar uma personagem cuja fuga termina num beco sem saída. Sem alternativa, o confronto com o seu “perseguidor” é inevitável...

Crítica: “Last Song”, “Shadow” e “Fly” são as três curtas-metragens que formam esta obra cujo começo é sempre o mesmo: um personagem correndo e fugindo desesperadamente e que, ao final, sempre acaba encontrando o destino de forma misteriosa e inesperada.

Em “Last Song”, um personagem esconde-se num beco após uma fuga desenfreada. Logo sente que alguem se aproxima e, assim, prepara a sua defesa, mas ele acerta, na verdade, numa rapariga que apenas passava pelo local. O desespero da fuga logo dá lugar ao sentimento de culpa ao matar uma inocente. De repente, a rapariga dá sinais de vida, desperta e inesperadamente, começa a dançar como se celebrasse aquele encontro...

“Shadow” continua pelo mesmo caminho. A fuga de um yakuza (Masatoshi Nagase) termina quando ele encontra o seu perseguidor. Os dois, frente a frente, tentam acertar as contas, mas Nagase começa a ter visões confusas e vê em si mesmo o seu opositor...

Finalmente, em “Fly”, vemos Tananobu Asano a fugir da policia (o único episódio onde vemos realmente quem são os perseguidores). Ao ser encurralado no topo de um edifício, encontra uma rapariga que estava prestes a se suicidar e usa-a como escudo...

São três curtas onde Sogo Ishii mais uma vez consegue extrair mais sentimento por meio das imagens que mil palavras poderiam demonstrar. É exactamente esse vazio, preenchido pelas imagens, às vezes alucinantes, como em “Electric Dragon 8000V” ou simplesmente contemplativas, que formam um quebra-cabeças onde pode-se entender simplesmte como vazio ou até mesmo genial.

É por isso que, mais uma vez, o realizador nos apresenta uma obra onde temos a sensação de estar diante de um mistério que somente ele poderia decifrar. Mas é diante desse fascinante desconhecido, aliado ao sempre espetacular apuro visual (e montagem, fotografia e realização) que faz deste filme mais um exercício de paciência e de observação diante do inusitado e do inesperado. Mas o que seria de um filme com elementos experimentais se eles não mexem com os nossos sentidos? Sogo Ishii fá-lo, e muito bem.

E se, por um lado, não temos uma fácil degustação, encontramos diversos caminhos a serem percorridos onde a única dica são os títulos dos curtas, fora isso, o caminho é logo e por nossa conta. Por isso, é bom correr...

Ric Bakemon

Indie Lisboa 2007 - Grande Vencedor

2007-04-30T11:35:00.000+01:00

O cinema asiático voltou a saír premiado do Indie Lisboa, não só com o galardão principal atribuído ao filme proveniente da Malásia, do cineasta Tan Chui Mui, Love Conquers All (vencedor ex-aequo com o argentino 'El Amarillo'), mas também com algumas curtas metragens premiadas.

Love Conquers All, conta a dolorosa história de Ah Ping, a jovem vinda da terreola para a grande cidade, para trabalhar com a tia. Inicialmente parece não ter tempo nem vontade de conhecer as distracções nem os perigos da cidade, mas rápida e drasticamente tudo muda… A candura da jovem actriz Coral Ong Li Whei encaixa perfeitamente na forma como a personagem encara a inesperada reviravolta que a sua vida vai dar. O filme acumula assim mais uma distinção depois de recentemente galardoado com o primeiro prémio no Festival Internacional de Roterdão.

Na secção Onda Curta, “ADULTS ONLY”, de Yeo Joon Han, também da Malásia e “LE COUDE DE KIYUMI, LE GENOU DE SAYURU”, do japonês Satoru Sugita, foram igualmente premiados. Todos os restantes galardoados podem ser vistos no site do festival.

Sérgio Lopes

Les Formidables (Gang-Jeok)

2007-04-28T11:52:00.000+01:00

Coreia do Sul, 2006, 118Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Um detetctive da divisão de homicídios, que entra em desgraça após a morte do seu colega é capturado e feito refém por um jovem injustamente acusado de um assassinato e que procura o verdadeiro assassino. À medida que o tempo vai passando, os dois começam a confiar cada vez mais um no outro, ainda mais até que nos anteriores companheiros...

Crítica: O facto de um filme coreano basear-se numa premissa que já não é nova, da dupla polícia / crminoso e suas peripécias, vista anteriormente em filmes americanos inúmeras vezes, pode ser, logo à partida, um factor de afastamento ao visionamento de Gang-Jeok. Ainda por cima, a acrescentar o título internacional em francês (!), Les Formidables, título sem sentido no contexto do filme, também não ajuda propriamente ao marketing do filme. No entanto, o filme até se vê bem e cumpre basicamente o seu propósito de entretenimento.

O argumento sustenta-se num polícia, Sung-woo, desgraçado após a morte do seu parceiro. A sua mulher deixou-o, o seu filho encontra-se internado no hospital e Sun-Woo não tem o dinheiro suficiente para o transplante que o filho necessita. Sun-Woo cruza caminho com um pequeno delinquente, Su-hyun, falsamente acusado de assassinato, em fuga da cadeia e que procura o verdadeiro assassinato. Eventualmente os dois começam a unir esforços, pois ambos necessitam um do outro: Sung-Woo, entregando o assassino aos criminosos, poderá obter o dinheiro necessário para a operação do filho, enquanto que Su-Hyun necessita do detective para capturar o verdadeiro detective...

Les Formidables tem um começo bastante cativante, com excelentes cenas de acção, dinâmicas e bem realizadas e com a apresentação das personagens. O filme arranca de facto bem, mas lentamente vai perdendo o gás, quer devido a alguma gestão menos bem conseguida da narrativa, quer devido à aposta excessiva no melodrama, principalmente no relacionamento entre os dois homens. A longa duração do filme (quase duas horas) também potencia um pouco esta trajectória um pouco descendente.

Como pontos positivos, destaca-se como sempre a excelente fotografia (como vem sendo hábito no cinema coreano) e a excelente química existente entre o duo de protagonistas, que formam uma dupla improvével e sui-generis, ambos com performances imaculadas.

Les Formidables pauta-se por um agradável filme de acção, com uma boa dose de entretenimento, num thriller policial, que ainda assim consegue ser melhor do que alguns homónimos americanos. Não sendo um filme "formidável", trata-se de um boa proposta vinda da coreia para quem quiser ver um bom thriller de acção, de puro entretenimento.

Sérgio Lopes

Entrevista a Shinji Ayoama

2007-04-27T00:33:00.000+01:00

E porque o Indie Lisboa convidou o cineasta japonês Shinji Ayoama para júri do festival e o colocou como Herói Independente do mesmo, oferecendo uma mostra com 15 filmes, urge conhecer um pouco mais deste novo e refrescante cineasta, numa pequena entrevista captada pelo Jornal de Notícias que pode ser lida AQUI.

Sérgio Lopes

Zebraman

2007-04-25T14:40:00.000+01:00

Japão, 2004, 115Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Um pacato professor primário (vivido pelo ator Sho Aikawa) vive uma rotina cansativa e repleta de problemas familiares, sendo obcecado por um herói de sua infância chamado Zebraman, cuja série de TV fora cancelada há vários anos sem explicação. Então, para fugir dos seus problemas e lutar pela justiça ( ! ), ele resolve se fantasiar de Zebraman e sair em busca de missões a cumprir. Mas a situação fica mais bizarra ainda quando surgem supervilões alienígenas para dominar a Terra...

Crítica: Talvez um dos temas que Takashi Miike mais gosta de abordar, fora a temática Yakuza, seja mostrar as famílias japonesas com todos os seus desequilíbrios e tormentos, tornado-os assim atractivos no grande écrân. Foi assim no pesado VISITOR Q e também na comédia musical HAPPINESS OF THE KATAKURIS. Em ZEBRAMAN o foco recai novamente sobre uma família problemática e decadente moralmente.

O pai (Sho Aikawa - excelente, diga-se de passagem) é o professor Ichikawa, impopular e visto como um idiota pelos seus alunos e colegas. Seu filho, Kuzuki estuda na mesma escola, segue o mesmo rumo e é constantemente alvo das brincadeiras dos seus colegas. A sua filha Midori ganha uns trocados como menina de programa e a sua esposa trai-o e não lhe dá qualquer atenção.

Ele só esquece a sua frustração como profissional e chefe de família quando fica operando a máquina de costura e confeccionando o uniforme de seu herói de infância, Zebraman, uma obscura série de TV sobre monstros e heróis mascarados que teve apenas 13 episódios. A vida do professor muda radicalmente quando conhece Shinpei, um aluno paraplégico que, como ele, idolatra Zebraman e acredita que um dia ele vai voltar.

Uma noite Ichikawa quer mostrar o uniforme para Shinpei e sai às ruas vestido como o herói. Mas o que ele não esparava é que a sua fantasia tomasse vida e ele assumisse desde então a figura de Zebraman, combatendo os vilões e, principalmente, os seus problemas particulares.

Shinpei é um garoto que testemunhou o suicídio de seu pai e vê na figura de Ichikawa um substituto. Pelo lado do professor também existe essa reciprocidade. Shinpei e a sua carinhosa mãe opõe-se diretamente na figura decadente da sua família na realidade, e assim, esta metáfora é trasportada para a realiadade de cada um através dos super-heróis. ZEBRAMAN é mais que uma paródia ou um filme de comédia.

O filme recai novamente na temática levantada por BATTLE ROYALE e SUICIDE CIRCLE, onde os adultos se vêem diante de situações inusitadas e ficam sem saber o que fazer. Ichikawa é o típico adulto que se vê no meio de um mundo soiltário, onde todos os demais simplesmente o ignoram e que um pouco de carinho e de atenção são os melhores remédios para curar tal situação. Ichikawa descobre então que é mais fácil combater os vilões do que os problemas familiares, e que a realidade é cruel, mas que a solução está mais perto do que imagina.

Talvez Miike queira dizer a todos que o pai, não importa como ele seja, ainda é o herói e o alicerce da família e que luta diariamente para fazer o melhor para a sua família. Miike dessa vez é mais soft em oferecer em menor escala, as imagens perturbadoras ou chocantes já tradicionais dos seus filmes.

Afinal, como ele próprio disse, é um filme para todas as idades. Por isso mesmo o filme não traz grandes novidades, a não ser apenas um filme paródia dos seriados japoneses sobre monstros e heróis mascarados. Vale a penao visionamento da versão mais light de Takashi Miike.

Ric Bakemon

Clássicos de Teshigahara finalmente em DVD

2007-04-24T00:26:00.000+01:00

A Criterion Collection irá lançar brevemente a amplamente aguardada colecção que reúne os clássicos máximos de Hiroshi Teshigahara, o realizador visionário japonês. A box set, que será lançada em Junho, irá conter os clássicos experimentais Woman in the Dunes, The Face of Another e Pitfall, para além de também poderem ser adquiridos em separado.

Em exclusivo na box set será incluído diverso material extra que fará as delícias dos adeptos de deste formato e que assim têm a possibilidade única de adquirir uma colecção de clássicos intemporais, do grande mestre japonês.

Sérgio Lopes

One Last Dance

2007-04-21T15:35:00.000+01:00

Singapura, 2005, 101Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Um assassino conhecido pela alcunha de ‘T’ é contratado para executar os sequestradores do filho de um poderoso homem. Porém, o rumo dos acontecimentos e os seus envolvidos tomam um caminho inesperado...

Crítica: Integrante da selecção oficial dos Festivais de Sundance e de Cannes de 2006, ‘One Last Dance’ é uma boa surpresa vinda de Singapura. Realizado e escrito por Max Makowski, emergente diretor brasileiro conhecido por dirigir seriados como Queer Eye for the Straight Guy e The Agency, mescla com equilíbrio vários gêneros como romance, comédia, policial e acção, junto com uma trama cheia de reviravoltas e surpresas.

Tudo começa com um senhor e os seus dois seguranças (note-se que é um homem de muito poder). Ele escreve algo num envelope vermelho com um brasão e manda entregar. Nesse envelope está o nome da primeira de várias vitimas de ‘T’, um impecável assassino. Entretanto, seu amigo Ko, que trabalha para a máfia italiana local, pede a ajuda de T para obter uma informação de outros bandidos. Acontece que esses outros bandidos estão relacionados com o seu actual contratante, causando um inesperado conflito de interesses. No meio de tudo isso, ele sonha em conquistar a irmã de Ko, a meiga Mae, empregada do bar que frequenta...

Apesar de o começo ser um pouco lento, a trama do filme evolui rapidamente. Várias peças do quebra-cabeça são simplesmente jogadas ao espectador, que pode se perder caso não esteja atento. Certas divisões na história e alguns diálogos non-sense remetem levemente a Pulp Fiction, deixando à mostra as influências do cineasta. Mesmo tendo um pouco de comédia e romance, o gênero que prevalece é acção. Fotografia é regular, abusa demais nas cores em certos momentos, mas no geral confere certa beleza. Apenas o sangue computadorizado estraga o filme. Uma coisa é fazer isso num filme como 300, onde há um contexto para tal, mas usá-lo neste contexto? Até entendo a intenção do realizador, talvez de dar um ar diferente ao filme, mas fica esteticamente muito feio, até caricato.

Mas o ponto positivo do filme é a inovadora e frenética montagem. Dois exemplos disso são: a montagem do áudio com fotos em sequência numa festa de Ko e a divisão de duas cenas iniciais (polícia recolhendo os corpos e a conversa com o capitão no bar) que mudam de perspectiva no final, apesar de simplesmente ser a continuação das mesmas. Outra curiosidade relacionada à montagem é a utilização de recursos como a hip-hop montage (os envelopes vermelhos), escancarando outra influência de Max, visto que esse recurso é praticamente uma marca registrada de Darren Aronofsky (Requiem For a Dream).

Quem leva o mérito no concerne às perfomances, com certeza é a interpretação espirituosa de Francis Ng. Vê-se que T é impiedoso com seus alvos, nunca titubeia ou deixa rastros, mas muda completamente na presença da personagem de Vivian Hsu, Mae. Os olhos brilham, a timidez toma conta de tudo. É engraçado ver um assassino profissional ficar tão sem jeito perto de uma mulher. A participação especial fica com o veterano Harvey Keitel, que confere aquele toque de classe a Terrtano, o poderoso chefão da máfia. Lung Ti e Joseph Quek, que interpretam respectivamente o amigável e conveniente Capitão e o encrenqueiro e inconseqüente Ko, completam os principais personagens.

Um bom trabalho de Max Makowski, tanto na realização quanto no argumento. Uma história que alterna entre balas e olhares apaixonados.

Marcus Vinicius

Falta de Tempo

2007-04-19T11:31:00.000+01:00

Bom dia a todos. Mais uma vez, o meu pedido de desculpas pela pouca actualização do blogue, mas tal como tinha referido à 3 semanas atrás, pro motivos profissionais, tenho estado ausente. Peço a vossa compreensão e prometo até ao fim-de-semana voltar à normalidade. Cumprimentos a todos os frequentadores deste espaço.

Sérgio Lopes

Novo drama coreano

2007-04-17T01:10:00.000+01:00

Do realizador Park Jin-pyo, cineasta de créditos firmados (Too Young To Die) chega-nos o seu novo filme intitulado The Voice of a Murderer, drama baseado em factos reais sobre o rapto de Lee Hyeong-ho ocorrido em 1991 e o desespero vivido pelos seus pais na tentativa de resgatá-la, durante mais de 40 dias.

O elenco é formado por Sol Kyung-gu (Silmido, Peppermint Candy) e Kang Dong-won (Duelist, Too Beautiful To Lie). O trailer pode ser acedido clicando AQUI.

Sérgio Lopes

The Twilight Samurai (Tasogare Seibei)

2007-04-14T02:13:00.000+01:00

Japão, 2002. 129Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: No final do séc. XIX, o samurai Seibei Iguchi leva uma vida sem glória. Perdeu a mulher e tem de sustentar sozinho as duas filhas e a sua mãe. O divórcio de uma amiga de infância leva-o ao confronto com o ex-marido violento, que Seibei vence com uma espada de madeira. A notícia espalha-se e Seibei, contra a sua vontade, é destacado para matar um conhecido guerreiro.

Crítica: Até que ponto vale honrar o posto de samurai diante das inúmeras dificuldades financeiras, pessoais e até históricas que recaem sobre uma única cabeça? Esse pode ser até o ponto central do filme, mas como sempre, Yoji Yamada surpreende com uma visão optimista e graciosa de uma época de mudanças históricas de um país esculpido pelo tradicionalismo que teimava em não aceitar as mudanças.

No final da era Tokugawa e às vésperas da era Meiji, Iguchi Seibei (Hiroyuki Sanada) é um samurai de baixo posto que vive honestamente para tentar levar sua vida da maneira mais tranquila e honrada possível apesar de todas as dificuldades. Viúvo, sustenta as suas duas filhas e ainda cuida da mãe que sofre de amnésia e que fica a maior parte do tempo acamada. Tudo parece mudar quando descobre que Tomoe (Rie Miyazawa), uma amiga de infância está se a divorciar e esta começa a visitar a sua casa.

Neste cenário e nas figuras desses dois personagens, Yoji Yamada apresenta um país em transformação que mantém o tom de formalidade, mas que luta para mudar. Enquanto Seibei procura manter o seu tradicionalismo, Tomoe representa o moderno na pele de uma mulher corajosa que conseguiu o seu divórcio e busca o seu verdadeiro amor deixando de lado, novos casamentos arranjados. Esse encontro muda aos poucos a vida da família que parece reencontrar um novo caminho para as suas vidas.

Como é normal nas suas produções, é interessante ver como Yamada encontra dentro dessa melancolia e dificuldade toda, porções de vida que sinalizam optimismo e uma forte vontade de viver. A diferença aqui é a inclusão de certas doses de tensão nas cenas de confronto entre os samurais. Aí, Yamada deixa toda a beleza natural ou humana de lado, fazendo a tensão prevalecer em primeiro lugar, como no caso do duelo entre Seibei e o ex-marido de Tomoe. Antes e depois da luta, ouvimos ao fundo, o canto dos pássaros e o som do rio, mas no momento do duelo, toda esse som ambiente desaparece, restando somente o som das espadas ao vento.

E não é só nessas alturas que Yamada separa o que significa vida e morte, ou o que é antigo e novo. Enquanto a iluminação e as cores fortes ficam evidentres nos momentos de alegria, as sombras carregadas invadem a tela quando o assunto é exactamente o oposto, impossibilitando até identificar os personagens em alguns momentos.

São esses pequenos detalhes que adicionados a uma excelente actuação dos actores e um texto extraordinário (para não variar) co-escrito pelo próprio Yamada, fazem de TWILIGHT SAMURAI (A sombra do samurai - título português) um dos grande filmes de samurai dessa década, que não necessariamente significa filme de acção. Elementos que só Yoji Yamada seria capaz de sintetizar e representar numa obra formidável como pouco se vê hoje em dia, nomeada inclusivé ao óscar de melhor filme estrangeiro e granjeando inúmeros prémios pelo mundo inteiro, como o Urso de Ouro em Berlim. Um filme de Samurais intimista e imperdível.

Ric Bakemon

Mais um remake... Shutter!

2007-04-12T23:26:00.000+01:00

Um dos poucos filmes recentes de grande qualidade a nível do terror foi o filme tailandês Shutter, cujo remake americano (como seria de esperar) acaba de ser anunciado. A versão americana contará no elenco com Joshua Jackson ("Bobby"), Rachael Taylor ("Transformers"), David Denman ("The Office"), James Kyson Lee ("Heroes") e John Hensley ("Nip/Tuck").

O remake americano será produzido por Roy Lee, Doug Davison e Takashige Ichise, a equipa responsável pelos remakes "The Ring," "The Departed", "The Grudge" e "Dark Water", entre outros. O filme será realizado por Masayuki Ochiai, adaptando o argumeto do filme original, ainda sem títitulo em inglês, No entanto, se for igual ao DVD original, será intitulado "They Are Around Us".

Sérgio Lopes

"Casablanca Tunnel"

2007-04-11T22:38:00.000+01:00

De vez em quando, sabe bem ver um bom filme de terror série B, quando não queremos algo que nos dê muito que pensar e se o que procuramos é o simples festival de magia negra, espíritos vingativos e litradas de sangue. Da Indonésia, chega precisamente uma proposta com essas características intitulada Casablanca Tunnel. A história não é nova e revolve sobre um espírito de alguém que em vida se sentiu injustiçado e agora procura vingança...

Podem aceder à página oficial e ao trailer de Casablanca Tunnel nos links abaixo.

Página Oficial - Trailer

Sérgio Lopes

Dororo

2007-04-08T15:17:00.000+01:00

Japão, 2007, 139Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Depois de uma sangrenta batalha, um guerreiro faz um pacto com 48 demónios: Em troca de poder, ele dá todos os membros e órgãos internos de seu futuro filho aos demónios. Ao nascer completamente sem órgãos e membros, o bebé (chamado Hyakkimaru) é abandonado num rio e adoptado por um velho eremita, que com a ciência e tecnologia que só existem no mundo dos mangás, constrói os membros e órgãos para a criança a partir de pedaços de cadáveres. Ao crescer, Hyakkimaru descobre que se quiser ter os seus membros e órgãos verdadeiros de volta, precisa de matar os demónios a quem os membros foram oferecidos...

Crítica: Antes de mais, será necessário informar que o filme é baseado num manga de algum sucesso, o que explica um pouco a sinopse. E Dororo até começa muito bem, com bom ritmo, óptimos efeitos especiais e um visual fabuloso. Enquanto Hyakkimaru só enfrenta os demónios, o filme diverte e bem, mesmo para quem não tolera muita computação gráfica como eu. Mas a partir do momento em que Hyakkimaru descobre quem são os seus pais verdadeiros, o ritmo do filme cai vertiginosamente! E para piorar, a duração total do filme é de quase 2 horas e meia, o que dá para imaginar o sacrificio a fazer até o filme acabar.

As cenas de luta são decepcionantes. Tony Ching Siu Tung é um coreógrafo criativo, mas que não teve muito espaço para mostrar a sua competência em Dororo, já que a grande maioria das cenas de acção são contra demónios de CGI. As poucas lutas de espada que têm uma coreografia mais elaborada duram pouquíssimos segundos!!! Definitivamente não precisava ter sido Ching Siu Tung...

O que se salva em Dororo é o visual sensacional dos demónios (todos sabem que os japoneses têm mais criatividade para criar monstros do que heróis...) e o carisma de Kou Shibasaki, dona de um dos mais belos e expressivos pares de olhos dos últimos tempos (sem esquecer do resto, é claro), que mesmo sem convencer muito no papel (só para recordar, no manga Dororo é uma criança) conseguiu manter a minha atenção até o final.

Algo que achei estranho (já que eu nunca li o manga que lhe deu origem) é que, apesar de dar o nome ao filme, Dororo é praticamente uma coadjuvante na estória. Ela é apenas uma menina que foi criada como um menino e que vive de pequenos furtos. Um dia, depois de presenciar Hyakkimaru a massacrar um demónio, resolve acompanhá-lo, aparentemente apenas pela aventura.

Notas à parte, Dororo desilude. Para quem viu Shinobi, Dororo está ao mesmo nível. Por isso, quem adorou Shinobi, também vai adorar Dororo. Consequentemente, quem não gostou...

Takeo Maruyama

Tarantino prepara remake de filme chinês

2007-04-06T14:05:00.000+01:00

Quentin Tarantino, anunciou recentemente que prepara um filme sobre Kung Fu, baseado em duas produções chinesas do género, "One-armed Swordsman" e "The 36th Chamber of Shaolin", do qual pretende retirar referências, criando uma espécie de remake baseado nas histórias de Kung Fu clássicas.

Tarantino pretende adaptar a história à audiência ocidental, contando no entanto com actores asiáticos no elenco, embora o filme seja falado em inglês. Depois do sucesso de Kill Bill, Tarantino voltará a apostar numa temática pela qual é fascinado. Claro que todos aguardamos com expectativa pelo resultado. Entretanto, já falta pouco para GrindHoudse!!!!!!!!!!

Sérgio Lopes

4 contos de terror

2007-04-04T16:37:00.000+01:00

Estamos todos um pouco fartos de filmes de terror asiáticos, onde a fonte de todo o mistério reside na rapariga de longos cabelos negros que aterroriza tudo e todos. Todos saturados, excepto Ahn Byung Ki (Bunshinsaba, APT.) que acredita de tal forma no género que produziu 'One day Suddenly -4 horror stories’ onde permite que quatro jovens realizadores dispondo de um orçamento muito baixo e filmando em vídeo de alta definição, realizem o seu primeiro trabalho sob a temática do terror. Confesso que ainda não vi o produto final, mas pelo site oficial, até nem poarece de má qualidade. Será que vale a pena arriscar o seu visionamento em dvd? Podem aceder ao site oficial com um trailer em formato music video AQUI.

Sérgio Lopes

Exiled vai ter remake americano

2007-04-02T02:59:00.000+01:00

Exiled, o novo filme de Johnnie To, a muito aguardada sequela de "The Mission" que recebeu rasgados elogios nos festivais de Veneza e Toronto, vai ter remake americano. Ao que parece, os direitos do filme foram adquiridos por Samuel Hadida, através da Davis Films, via a companhia Hong Kong's Media Asia, responsável pelo remake de Infernal Affairs que deu origem ao melhor filme do ano (para os óscares!) The Departed, e que será responsável também pelo remake de novo filme da dupla de realizadores, Confessions of Pain.

Hadida considera Exiled um dos mlhores filmes asiáticos do ano e que a história pode ser exponenciada e adapatada a um filme de língua inglesa com grande margem de sucesso. E defacto, Exiled é excelente, por isso, para quê o remake???? Depois do anúncio do remake de The Host, mais um filme asiático a delapidar?

Sérgio Lopes

Zatoichi

2007-03-31T15:00:00.000+01:00

Japão, 2003, 116Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Japão, século 19. Zatoichi (Takeshi Kitano) é um caminhante cego que sobrevive como massagista e jogador de cartas, mas por trás da sua aparência humilde esconde-se um espadachim de raro talento. Numa das suas andanças ele chega a uma aldeia dominada pelo sanguinário Ginzo (Ittoku Kishibe), que, com a ajuda do samurai Hattori (Tadanobu Assano), seu capanga, elimina quem se oponha aos seus objectivos. O embate entre Zatoichi e a quadrilha de Ginzo torna-se inevitável quando o cego conhece duas gueixas que desejam vingar a morte dos pais...

Crítica: Zatoichi é um icon japonês, um herói nacional, adaptado ao cinema por mais de 26 vezes, entre 1962 e 1989 , sempre interpretado pelo mesmo actor, Shintaro Katsu, até à altura da sua morte, precisamente em 1989. Trata-se de uma série de filmes de muito sucesso e extremamente respeitados, ao qual Takeshi Kitano, quis prestar a sua homenagem, readaptando o personagem ao cinema e imprimindo-lhe o seu cunho pessoal.

Mas não se pense que este novo Zatoichi é uma continuação da série de filmes; antes pelo contrário é uma transformação, uma roupagem completamente nova e por essa razão, apesar dos elogios e da colecção de prémios internacionais, váras facções do japão não concordaram com o que consideram uma desvirtuação do original.

Zatoichi, o espadachim cego, é nesta nova versão interpretado pelo próprio Kitano, que acumula as funções de realizador e escreve também o argumento. É uma espécie de justiceiro solitário, semelhante aos personagens interpretados por Clint Eastwood, calmo, sereno, sem transparecer emoções, mas ultra rápido com a espada, acima de tudo um homem de bom coração, apesar de jogador inveterado. A chegada do espadachim cego a uma pequena vila, irá desencadear uma luta para salvar a comunidade da ditadura imposta pelo sanguinário Gizu.

A nível de actores, além de Kitano, destaque para o seu arqui-inimigo Hattori, interpretado por um sempre competente Tadanobu Asano (Gohatto). Kitano pega numa premissa básica de filme de vingança, e ao aplicar o seu cunho pessoal, cria um objecto no qual fotografia, cenários e música, estão afinados e adequados ao ambiente do filme, prestando por um lado um tributo aos filmes do género dos anos 60 e 70, e por outro lado, acrescentando um toque moderno. As cenas de luta estão muito bem coreografadas (a rapidez do espadachim é completamente visível ao espectador) e até o vermelho carregado do jorrar do sangue acrescenta uma dose de humor (tal como Kill Bill) pouco vista neste tipo de filmes.

Ainda assim, Zatoichi não é o melhor filme de Kitano, mas dada a sua premissa minimalista, pode-se dizer que o cineasta Japonês, consegue cria um objecto capaz de atingir vários públicos, acessivel, esteticamente irrepreensivel, com humor, acção e suspense, num cocktail que não deixa ninguém indiferente. Sem querer estragar o visionamento, apenas chamo a vossa atenção para o excelente número de sapateado em pleno Japão Feudal do século 19 que ocorre o filme... Portanto, se pretendem ser surpreendidos, pela abordagem pouco convencional que Kitano imprime ao género, então não devem perder Zatoichi!.

Sérgio Lopes

Workaholic?

2007-03-28T20:02:00.000+01:00

Já ouviram falar em workaholic ? É uma expressão americana que teve origem na palavra alcoholic (alcoólico). Serve para denotar uma pessoa viciada, não em álcool mas em trabalho. Não é o meu caso, mas devido a compromissos profissionais, as próximas 3 semanas vão ser extremamente preenchidas, por isso, peço a todos os leitores assíduos do cineasia a compreensão para o facto da actualização do blogue nesta fase ser menos efectiva. Para já, prometo que só lá para sábado terei alguma hipótese de postar algo... O meu pedido de desculpas, mas o momento assim o obriga. Obrigado pela compreensão.

Sérgio Lopes

Chermin será submetido a Cannes

2007-03-27T01:26:00.000+01:00

Estreado esta semana na Malásia, Chermin, é o nome do primeiro filme do cineasta/argumentista Zarina Abdullah e centra-se numa mulher que é assombrada por um espírito aprisionado num antigo espelho: "Nasrin é uma jovem mulher cuja face fica desfigurada num estranho acidente de automóvel. Quando descobre um antigo espelho escondido num quarto da casa, começa a trasformar o fascínio por esse objecto numa obsessão, ao ponto de se confundir com a suposta entidade aprisionada no fatídico espelho...".

Ao que parece será submetido a diversos festivais internacionais, incluíndo o festival de Cannes Está disponível o site oficial, com variada informação sobre o filme incluíndo, fotos e um teaser trailer, que pode ser acedido clicando AQUI , bem como um trailer completo legendado em inglês que pode ser visualizado AQUI.

Sérgio Lopes

The Isle (Seom)

2007-03-24T15:50:00.000Z

Coreia do Sul, 2000, 88Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Depois de perder a inocência, uma mulher deixa de falar. Como um pássaro numa gaiola, vive isolada numa ilha bordel onde dá bebidas aos pescadores e os consola, juntamente com outras mulheres, nas horas de aborrecimento. A chegada à ilha de um pescador com vontade de se suicidar vai quebrar-lhe a rotina. Apesar de o ter salvado da morte e de ser a sua amante, a mulher não consegue prendê-lo ao seu amor. O final é feito de horror, sangue e muitos anzóis...

Crítica: Kim Ki-Duk é um dos nomes incontornáveis da nova vaga do cinema coreano, um cineasta com a sua marca autoral e que gera opiniões contrárias sobre as suas obras. No seu próprio país de origem os seus filmes não são gerlamente bem recebidos e curiosamente têm melhores resultados fora de portas. Por essa razão, filmes como Bad Guy, Samaria ou The Isle, são filmes que por explorarem a sexualidade de uma forma peculiar, geram aclamação e ódio quase em igual medida, sobretudo pela forma violenta e chocante como Ki-Duk aborda o tema, embora sempre poética.

E The Isle (em português O Bordel Do Lago) não foge è regra. Trata-se de um objecto desconcertante explora a problemática dos relacionamentos humanos na sua forma mais visceral e primitiva. A acção decorre numa ilha, com carcterísticas especiais, onde pequenas casas flutuam no lago que a circunda e permitem aos homens transformar em realidade as suas mais estranhas fantasias sexuais.

Hee-Jin, uma bela surda responsável por conduzir os homens às respectivas casas, vai se envolver com um polícia fugitivo, Hyun-Shik, num relacionamento que tem tanto de passional como de obsessivo e sádico. Duas almas desesperadas vão viver um relacionamento explosivo, que culmina em violência e morte, após os ciúmes integrarem a equação.

Embora à primeira vista, a premissa seja bastante básica, a forma poética como Ki-Duk desenvolve a narrativa, permite-lhe afastar de quaisquer clichés. Com pouquíssimos diálogos, a acção avança através dos actos dos personagens e das suas decisões. Por essa razão, o ambiente é sereno e o desenvolvimento bastante lento, mas a forma poética e metafórica como Ki-Duk aborda o tema e o visual assombroso do lago, permitem que a acção se desenrole com normalidade.

Aliás, a beleza dos cenários contrasta com o manancial de personagens desesperadas e com a violência dos actos. Os anzóis, como elementos metafóricos, são utilizados para fins muito pouco recomendados e são capazes de impressionar os mais sensíveis. Algumas cenas onde peixes são cruelmente cortados (vivos e na realidade), não devem ser do agrado dos defensores dos animais.

Kim Ki-Duk, cria com The Isle, um filme esteticamente belo, intimista, mas de dificil visualização, onde explora o relacionamento de dois seres, de forma depressiva, negra e violenta. O final do filme é deixado em aberto e embarca no limite entre o real e o surreal, remetendo ao espectador a sua própria interpretação. Vencedor do prémio especial do júri e do prémio de melhor actriz para Jung Suh, na edição do Fantasporto de 2001, 'O Bordel Do Lago' é um dos títulos incontornáveis na filmogrfia de Kim Ki-Duk, um filme que visa a exploração sexual e os relacionamentos pessoais, como só o cineasta coreano o sabe fazer.

Sérgio Lopes

Bollywood vai rodar filmes em Portugal

2007-03-23T19:57:00.000Z

A indústria de cinema indiano, a famosa Bollywood, poderá rodar filmes em Lisboa e em "outros locais exóticos" e assim levar mais turistas indianos a Portugal, noticia o jornal India Times. O jornal indiano afirma, que os governos dos dois países estão a traçar os detalhes finais de um acordo para facilitar a ida a Portugal de equipes de filmagem indianas, acordo esse firmado durante a visita do presidente português, Cavaco Silva, à Índia.

Inspirado em Hollywood, nos Estados Unidos, e situado perto de Bombaim (daí o nome), Bollywood é o maior centro de produção cinematográfica do mundo. Anualmente, produz mais de 800 filmes num país onde se estima que 14 milhões de pessoas vão ao cinema diariamente.

Segundo o jornal, este acordo poderia ser uma oportunidade para Portugal atrair mais turistas indianos e promover a aproximação entre os povos dos dois países, "muito centrada em Goa", colônia portuguesa na Índia até 1961. Outro dos pontos do memorando prevê um maior intercâmbio para a exibição de filmes indianos e portugueses nos dois países, principalmente em festivais de cinema. A edição deste ano do Fantas, no Porto, por exemplo, incluiu na sua programação uma retrospectiva dedicada ao cinema de Bollywood.

Sérgio Lopes

Próximo filme de Miyazaki

2007-03-22T21:09:00.000Z

Hayao Miyazaki (Princess Mononoke, My Neighbour Totoro, Nausicaa, entre outros) encontra-se actualmente a trabalhar num novo projecto. Corriam rumores que seria, uma adaptação de um livro infantil, de anime, chamado 'I Lost my Little Boy', trabalho do escritor chinês chamado Yishu. No entanto, o próprio Miyazaki desmentiu-o pulicamente. Ao que parece o novo filme vai se chamar sim Gake no ue no Ponyo, com a tradução literal (não oficial) Ponyo on a Cliff.

Em vez de uma adaptação, trata-se de uma história original que se centra nas vidas de um rapaz de 5 anos de idade chamado Sosuke (baseado nas características físicas do seu próprio neto) e de uma peixe dourado chamada Ponyo que anseia por se transformar num ser humano. Esperam-se os habituais elementos de Miyazaki, transportados para cenários marítimos. Mais informações serão colocadas no cineasia assim que estiverem disponiveis.

Sérgio Lopes

The Host vai ter remake americano

2007-03-21T09:14:00.000Z

Depois de com Memories Of Murder, o seu segundo filme , ter criado um dos melhores policiais da história do cinema, o cineasta sul-coreano Joon-ho Bong regressou este ano com The Host, uma das produções Coreanas mais caras do ano, e também um dos grandes filmes vindos da ásia até ao momento.

Contando com Bae Doona, Park Hae-il, Song Kangho (Memories Of Murder) e Byeon Hee-bong, nos principais papéis, The Host centra a premissa nos acontecimentos que ocorreram perto do Rio han onde um terrivel monstro, escondido nas profundezas, começa a atacar e aterrorizar a comunidade.

O filme foi um tremendo sucesso de bilheteira mundial e comportou-se bastante bem nos festivais europeus por onde passou. O lendário produtor Roy Lee, que trouxe a moda dos remakes para Hollywopd estava atento e os direitos de The Host foram adquiridos. O remake já está em marcha. Resta saber se um filme tão peculiar e tão diferente do típico monster movie, terá condições para triunfar num país onde o lucro fácil é o que interessa. Duvido e acima de tudo, recuso-me a ver esse remake que virá brevemente...

Sérgio Lopes

Lovedeath de Ryûhei Kitamura

2007-03-19T00:35:00.000Z

O regresso do realizador Ryûhei Kitamura (Azumi, Versus) dá-se com LOVEDEATH, um filme de acção non-stop baseado no manga "69" de Tsutomu Takahashi. O filme revolve em torno de um casal invulgar em fuga com uma soma de dinheiro, num thriller de acção frenético. Com Shinji Takeda, no papel principal, será um novo género abordado pelo cienasta depois da sucessão de épicos que misturavam elementos fantasiosos e artes marciais. Lovedeath estreia no Japão em Maio. O primeiro trailer pode ser visualizado no site oficial AQUI.

Sérgio Lopes

Sex & Fury (Furyô anego den: Inoshika Ochô)

2007-03-17T00:52:00.000Z

Japão, 1973, 88Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Ocho (Reiko Ike), carteirista e apostadora em Tokyo, acidentalmente acaba por se cruzar com os três gangsters responsáveis pela morte do seu pai e com alguns membros yakuza que a querem ver morta. Uma espiã europeia (Christina Lindberg) chegada ao local irá complicar ainda mais a vida a Ocho...

Crítica: Um dos géneros mais antigos e respeitados do cinema japonês é o género de filmes denominados por Sexploitation, no qual humor exarcebado, nudez, sexo e violência gratuita (com doses massivas de Ketchup), nas décadas de 60 e 70 serviam de contraponto às obras mais sérias de realizadores como Nagisa Oshima ou Shohei Imamura, entre outros, com filmes sem preocupações políticas, onde o puro entretenimento imperava. “Sex and Fury” (1973), de Norifumi Suzuki, é talvez o expoente máximo desse movimento.

“Sex and Fury” é na sua essência um filme de vingança, no qual partindo de uma premissa básica o exagero é a nota dominante. A bela Reiko Ike personifica Ocho e ficará para sempre ligada ao epíteto de rainha da "Pinky Violence", desinação pela qual são conhecidos este género de filmes. Aliás, uma série de filmes com o rótulo da Panik House entertainment, têm sido progressivamente lançados em DVD para todos os amantes da "Pinky Violence" onde está incluído não só 'Sex & Fury', como também a sequela 'Female Yakuza Tale: Inquisition and Torture'.

Cenas de luta envolvendo mulheres assassinas ultra-sexy, espadas e muita nudez, sangue exagerado que não impressiona, mas sim é cómico, tudo é misturado de forma surreal quase psicadélica, na medida certa, criando um cocktail de puro entretenimento, um hino ao mau gosto, mas com um equlibrio notável, fazendo de 'Sex and Fury' um icon do movimento exploitation, tendo influenciado inúmeros realizadores, incluindo o fantástico díptico Kill Bill, de Quentin Tarantino, que claramente bebe influências da série "Pinky Violence".

Norifumi Suzuki consegue com 'Sex and Fury' um filme essencial para a cultura pop japonesa. O uso do visual exagerado e de uma música disco-sound, no mínimo, hilariante, bem como a mescla de elementos levados ao exagero, faz de sex& fury, um percurssor do género, de essencial visualização para todos os fâns de light sexploitation. E já agora, para quem apreciou Kill Bill, dê uma vista de olhos em Sex & Fury e descubra as semelhanças...

Sérgio Lopes

Projectos em marcha, sobre SARS

2007-03-16T00:09:00.000Z

Estúdios de cinema na China e em Hong Kong começaram a trabalhar em projectos sobre a Síndrome Respiratória Aguda Grave (Sars, na sigla em inglês). Dois filmes cujos enredos envolvem a doença, que já matou pelo menos 219 pessoas na China e fez 204 vítimas em Hong Kong, devem começar a ser filmados em breve, disse o jornal Screen Daily. A empresa Mandarin Filmes, de Hong Kong, está a produzir "The City of Sars" (A cidade da Sars, em tradução livre), filme que será dirigido por Steve Cheung e deve chegar aos cinemas já em julho. Classificado como uma "comédia dramática", o filme vai entremear três histórias centradas no processo de contaminação pela doença: Uma delas é uma história de amor entre duas pessoas que se conhecem quando são forçadas a ficar sob quarentena. A segunda acontece em torno da dura rotina de médicos que trabalham em Hong Kong. A terceira é sobre um homem de negócios que tenta ser contaminado pelo vírus, depois que a doença provoca a sua falência.

A premiada actriz Gong Li está a ponderar aceitar o papel num filme chinês sobre a Sars, de acordo com o jornal Beijing Times. Se isso acontecer, ela vai interpretar uma enfermeira que trata muitos pacientes com Sars até se contaminar também. Gong é uma das actrizes chinesas mais famosas no Ocidente, mais conhecida pelo seu trabalho em Lanternas Vermelhas, de 1991. Ela ganhou o prêmio de melhor actriz secundária do Círculo de Críticos de Filme de Nova York em 1993 e inúmeras outras homenagens ao seu trabalho.

Marcus Vinicius

Cure (kyua)

2007-03-14T00:58:00.000Z

Japão, 1997, 111Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Pessoas aparentemente normais (um professor, um policia, uma médica), após manterem contacto com um homem, Mamiya (Masato Hagiwara) que parece sofrer de amnésia, matam os seus entes mais próximos cortando-lhes as artérias carótidas e marcando-os com um x do pescoço até o peito. O detective Takabe (Kôji Yakusho) será o responsável pela investigação tentando encontrar a razão das ocorências bizarras...

Crítica: Kiyoshi Kurosawa (sem qualquer ligação directa com o mestre Akira Kurosawa) é um cineasta prolífico, lançando cerca de dois a três filmes por ano desde 1983, sendo um dos valores seguros da nova vaga de realizadores Japoneses. Foi justamente com Cure que crítica e público europeu e norte-americano começaram a prestar atenção ao seu trabalho, graças à passagem do filme pelos vários festivais de cinema mundiais, elevando Kiyoshi ao estatuto de autor. A sua principal característica é o uso do sobrenatural de uma forma invulgar levando a uma certa subversão do género, abordando-o de uma maneira muito própria.

Assim, Cure, não é um filme de terror, mas sim um thriller, de contornos sobrenaturais. A nível comparativo, podemos afirmar que Cure é um thriller nos moldes de Se7en, no qual, polícia e assassino (?) criam uma espécie de empatia invulgar. No entanto, a abordagem de Kiyoshi Kurosawa é bastante diferente da de David Fincher e o cineasta japonês baseia toda a narrativa no confronto psicológico entre a mente doentia de Mamiya e a aparente racionalidade do policia que tenta descortinar a origem dos crimes.

E tal como em Se7en, em Cure, há de novo um verdadeiro tour de force entre dois homens, dois grandes actores japoneses, ambos com performances tão incriveis e uma empatia tal, que chega a assustar de tão realista. Mamiya é um pobre coitado que parece sofrer de amnésia. Cada pessoa que tem contacto com ele, aparentemente comete um crime. Mamiya responde sempre às perguntas com uma outra pergunta; è um personagem aterrador, perturbante na forma como manipula e controla as mentes humanas, enigmático e poderosamente interpretado por Masato Hagiwara.

Por outro lado, Takabe é o polícia racional. No entanto, a sua própria esposa sofre de uma doença mental. Vive num emprego onde cria os seus próprios demónios e quando chega a casa o cenário não é o melhor. Será que a sua sanidade mental estará intacta? Kôji Yakusho (recentemente visto em Babel) é Takabe numa performance que tem tanto de carismática como de poderosa. Os dois vão criar uma relação tão próxima quanto perigosa...

Para além da absoluta perfeição no casting, Cure mascara o género thriller apostando no tema do hipnotismo e do poder da sugestão e é exactamente por aí que cativa a audiência. Grande parte do mérito vai para Kurosawa, que escreve e realiza Cure, pegando numa temática insólita e perigosa, redige um argumento perfeito e apresenta uma gestão da narrativa notável, onde cada cena é genuinamente misteriosa e intensa. Utilizando longos planos-sequências, com elaborados enquadramentos, os contrastes entre claro e escuro e o uso de cinzentos saturados , longos silêncios, locais desertos e isolados, a quase ausência de música, Cure respira um ambiente de tensão constante, quase hipnótico.

Cure não se trata de um filme de terror, embora possa encaixar seguramente nas grandes obras de terror psicológico. O final do filme deixa algumas pontas soltas, por isso, é preciso estar muito atento ao úkltimo frame do filme (mesmo, mesmo o último) para tentar perceber o que Kurosawa pretende transmiitir. Kiyoshi Kurosawa tem em Cure a sua grande obra-pima, um thriller criminal perturbante, completamente original e que mexe com o espectador. Há pouco sangue e gore, mas ninguém consegue ficar indiferente e afectado pela atmosfera desconfortável de Cure. Altamente recomendável!

Sérgio Lopes

Bong Joon-Ho, Michel Gondry e Leos Carax juntos

2007-03-12T00:27:00.000Z

Bong Joon-Ho (The Host), Michel Gondry (Eternal Sunshine Of The Spotless Mind; The Science Of Sleep), e o relativamente desconhecido Leos Carax vão colaborar juntos num esforço a três mãos intitulado 'Tokyo'. O filme será similar a New York Stories, no sentido de ter proporcionado a Martin Scorese, Woody Allen e Francis Ford Coppola, trabalharem juntos e filmarem, cada um deles, um segmento sobre Nova York. Desta feita cabe aos três jovens e promissores realizadores fazerem o mesmo mas sobre a capital japonesa. O início do projecto está agendado para o verão. O mais curioso é o projecto não contemplar nenhum realizador japonês...

Sérgio Lopes

Shanghai Dreams (Qing Hong)

2007-03-10T14:20:00.000Z

China, 2005, 123Min.

Página Oficial - Trailer - Fotos

Sinopse: Nos anos 60, encorajadas pelo governo, um grande número de famílias na China deixa as cidades para se estabelecer nas regiões mais pobres do país.

Crítica: Nos anos 60, o governo chinês colocou em prática a “Terceira Linha de Defesa”, estratégia que consistia em deslocar para o interior diversas fábricas acompanhadas de famílias inteiras de trabalhadores para ocupar zonas desabitadas temendo uma invasão soviética. Duas décadas depois, a China dava os seus primeiros passos para uma abertura cultural e económica. Estava em curso, então, o desenvolvimento das cidades grandes como Pequim e Xangai, que enchiam de esperança todos aqueles que foram enviados para o interior e que mantinham um descontentamento diante de um ambiente estagnado e cercado da pobreza e que sonhavam em migrar para essas cidades grandes.

Nesse ambiente encontramos Qing Hong, uma garota que vive numa pequena cidade que descobre o primeiro amor e vive as suas primeiras aventuras como adolescente. Ao mesmo tempo, o seu rígido pai impõe-lhe severas regras de comportamento mas está determinado a voltar para Xangai.

Wu Zemim, pai de Qing Hong, mantém reuniões semanais com os seus colegas de fábrica onde discutem um plano para se mudarem para Xangai, com ou sem autorização do governo. Enquanto esse plano não sai do papel, a sua obsessão é fiscalizar a sua filha, exigindo dela empenho total nos estudos em total detrimento dos outros assuntos. Não aceita, por exemplo, que ela mantenha nenhum tipo de relacionamento ou que vá à festas ou qualquer outro passatempo que não seja os estudos e as tarefas domésticas. Apesar disso, Qing Hong faz de tudo para manter sua vida de adolescente como de uma outra qualquer. Uma rebeldia comportada que tenta seguir os seus instintos juvenis, mas que de certa forma aceita essa submissão pacificamente.

Até aqui, poderíamos estar diante do clássico tema de conflito de gerações. Um paralelo entre o tradicional choque entre pai e filha; Ou o tema político, quando vemos Wu Zemim a desafiar o próprio partido para tentar se mudar para Xangai sem autorização. Mas se esses conflitos poderiam ser entendidos como uma crítica ao sistema político, o resto do filme joga isso por água abaixo quando o realizador Wang Xiaoshuai expõe o seu lado mais panfletário — moral e político — onde explicita o que é certo e o que é errado a favor do governo. Um exemplo disso é a cena final do filme onde a família passa diante de um comboio da polícia que anuncia a execução de diversos criminosos.

Apesar disso, mais que tentar analisar o filme em si, é interessante entender um apaixonante país em constante transformação, assunto que parece ser uma obsessão do cinema chinês actual. Ao mesmo tempo que vemos filmes grandiosos com seus épicos históricos, a China apresenta filmes realistas que passam a limpo uma sociedade que viveu a época maoísta até os dias de hoje

É interessante notar que, apesar do filme estar ambientado na década de 80, ele poderia muito bem ser transportado para os dias de hoje, onde uma multidão de camponeses ainda espera pela chegada do milagre económico que parece não ultrapassar as fronteiras das grandes cidades. Ademais, o realizador Wang Xiaoshuai faz um retrato de uma época que ele fez parte. “ dedicado aos meus pais e aos muitos outros que compartilharam um destino similar”, disse na época de seu lançamento.

Voltando ao filme, a verdade é que Xangai Dreams discute o conflito entre esse sonho por parte dos migrantes em buscar um futuro melhor na cidade grande e a vontade da nova geração em permancer na cidade onde cresceram e ali estabelecerem sua vida e tiveram sua primeira paixão. E mais que uma simples história sobre conflito de gerações, Shanghai Dreams é um filme sobre sonhos. Seja ele, o sonho da busca de uma vida melhor economicamente desejado pelo pai, seja ele o simples sonho de viver a vida como ela se apresenta sonhada pela filha. Vencedor do Prémio do Júri no Festival de Cinema de Cannes em 2005.

Ric Bakemon

Estreia da semana - Curse Of The Golden Flower

2007-03-08T00:34:00.000Z

'China, século X. Na véspera do Festival Chong Yang, flores douradas enchem o palácio. O imperador (Yun-Fat Chow) regressa inesperadamente com o filho Jai (Jay Chou), com o pretexto de celebrar as festividades com a família, mas as relações tensas com a imperatriz (Li Gong) fazem suspeitar em outros motivos. Durante anos, a imperatriz manteve uma relação ilícita com o enteado, que por sua vez sonha fugir com o seu grande amor, a filha do médico imperial. Quanto ao príncipe Jai, preocupa-se sobretudo com a saúde da mãe e a sua obsessão crisântemos dourados. E, enquanto isso, o Imperador orquestra um plano secreto...'

Estreia esta semana o mais recente épico de Zhang Yimou (Herói; O Segredo Dos Punhais Voadores), com as super estrelas asiáticas Gong Li e Chow Yun Fat, Curse Of The Golden Flower - A Maldição da Flor Dourada. Depois dos recentes fracassos de The Promise ou The Banquet, pode ser que Yimou consiga dar um novo fôlego ao género. Não será de esperar outra coisa pois estamos na presença de um dos principais impulsionadores deste tipo de películas no ocidente.

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Sérgio Lopes